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Crónica de Sitges


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El huevo se ha roto. Empieza la masacre.

Cartel3,2,1... se acabó la cuenta atrás. Después de dos meses anunciándolo, orgullosos estamos de cubrir el archiconocido Festival de Sitges en esta su 42ª edición.

Aunque sí es verdad que este año va a resultar menos glamoroso que en pasadas ediciones, no puede obviarse que la calidad de los films en competición es bastante alta y que las diferentes secciones están combinando todo tipo de cine, no específicamente fantástico (aunque es cierto que este año el Festival ha recuperado esta "denominación de origen"). Así, hemos podido saborear delicias como ver en pantalla grande la gran obra maestra La Naranja Mecánica (Stanley Kubrick, 1971), disfrutar de pioneras con reparto de lujo como Mr. Nobody (Jaco van Dormaell, 2009) o The Road (John Hillcoat, 2009), ver falsos documentales manga como Musashi: el último samurái (Mizuho Nishikubo, 2009) e incluso recordar el (¿continuo?) potencial de films nacionales de la talla de [REC]2 o Celda 211.

Dos colaboradores de EL ESPECTADOR IMAGINARIO, la que esto escribe, Arantxa Acosta y Manu Argüelles, hemos podido asistir a este fantástico Festival. Nuestra intención en todo momento ha sido cubrir el máximo posible de films y secciones, así que hemos decidido crear el "Diario EEI del Festival de Sitges'09", en el que cada día hemos anotado lo más relevante y, cuando el film nos ha parecido que vale realmente la pena, hemos ampliado la crónica e incluso hemos decidido completar la explicación con una crítica completa, como ya sabéis nos gusta escribir en EEI. Esperamos que lo disfrutéis tanto como nosotros...

Aquí a continuación os ofrecemos un índice ordenado por secciones del Festival para que podáis comprobar las películas reseñadas.

Sección Oficial Fantàstic en Competició:

Yatterman de Takashi Miike (Japón, 2009)

The Countess de Julie Delpy (Francia, 2009)

Thirst de Park Chan Wook (Corea del Sur, 2009)

Musashi: The Dream of the Last Samurái de Mizuno Nishikubo (Japón, 2009)

Ne te retourne pas de Marina de Van (Francia, 2009)

Mr. Nobody de Jaco Van Dormael (Bélgica, 2009)

Grace de Paul Solet (EUA, 2009)

Splice de Vicenzo Natali (Canadá, 2009)

Timer de Jac Schaeffer (EUA, 2009)

Moon de Duncan Jones (Reino Unido - EUA, 2009)

Heartless de Philip Ridley (Reino Unido, 2009)

Sección Oficial Fantàstic Panorama.

Crows zero II de Takashi Miike (Japón, 2009)

Valhalla Rising de Nicolas Winding Refn (Reino Unido - Dinamarca, 2009)

Shadow de Federico Zamplagione (Italia, 2009)

Sección Oficial Fantàstic Panorama - British Focus.

Malice in Wonderland de Simon Fellows (Reino Unido, 2009)

Sitges Especials.

La naranja mecánica (A clockwork orange) de Stanley Kubrick (Reino Unido, 1971)

The Pit and the pendulum de Roger Corman (EUA, 1961).

The hurt locker de Kathryn Bigelow (EUA, 2008)

Sección Especial FOCUS 3-D.

The Hole de Joe Dante (EUA, 2009)


Día 1

rec 2Por Arantxa Acosta y Manu Argüelles

El Festival abre sus puertas, y lo hace sin riesgos: apoyando a Jaume Balagueró  y a Paco Plaza, escogiendo [REC]2 para abrir el festival.

No supone ninguna sorpresa que la edición que estemos viviendo haya apostado por una secuela de una película fantástica y/o de terror española.

Recordemos, según datos del Ministerio de Cultura, que REC, estrenada el 20 de noviembre de 2007, consiguió situarse como la segunda película española de mayor recaudación con un total de 7.748.900,61 € y 1.341.951 espectadores. Ante estos abrumadores datos y logrando una consideración crítica inusual para una película española de género, la secuela estaba servida. Si bien, tal como les señala Antonio José Navarro a Paco Plaza y a Jaume Balagueró en la revista Dirigido nº 392, es la primera vez en casi treinta años que se rueda en nuestro cine patrio una secuela de una película de terror.

Así, la expectación ante este largometraje estaba proporcionada y el Festival de Sitges, en una decisión coherente, opta por actuar como lanzadera publicitaria de la película un día antes del estreno en salas españolas. Se trata, ni más menos, de un efecto de retroalimentación mutua, tanto para la nueva realización de estos brillantes directores como para la nueva edición del Festival.

La esperada continuación de [REC] parece no haber defraudado a nadie, y menos a un público con ansias de conocer qué pasaba en el edifico de Barcelona... y es que... ¿quién dijo que "segundas partes nunca fueron buenas"?

Sección Oficial Fantàstic en Competició. Yatterman de Takashi Miike (Japón, 2009)

Yatterman 4Y aunque el plato fuerte del festival fue, como hemos comentado, el estreno de [REC]2, nosotros nos acercamos a ver una de las primeras películas exhibidas en competición. Hablamos de Yatterman, del prolífico Takashi Miike, director que contará con dos presencias en el festival. Y es que, por si no lo saben, este director es lo que Stephen King a la literatura. En este año ha realizado dos y los fans podemos estar de enhorabuena porque las dos las podremos ver en Sitges.

Vale, sí, nos tira el kitsch, qué le vamos hacer. Y uno no puede ver todos los días tal despiporre visual tomando como base una historia de mechas, en el que gadgets, buenos buenísimos, malos malísimos y un despliegue fantástico abrumador se unen en una coctelera que hacen pasar un buen rato a la gente que vaya sin prejuicios y con ganas de pasárselo bien. La gente que estuvo viéndola en el cine Retiro, damos fe, que se lo pasó bomba. Y nosotros también.

Y si queréis más información sobre la película acercaros a la crítica que le hemos preparado para la ocasión.


Día 2

Por Arantxa Acosta y Manu Argüelles

02/10: La Naranja Mecánica, The Countess, Crows Zero 2 y Thirst

Después del arranque, el festival empezó con muchas ganas, y con la proyección de films de lo más dispares. Nosotros aquí nos hemos acercado a dos películas en competición, una de la sección Fantástic Panorama y  otra de los Especiales que la edición de este año nos reserva. Empecemos por el final y es que...

Just singing in the rain

Sitges Especial. La naranja mecánica (A clockwork orange) de Stanley Kubrick (Reino Unido, 1971)

naranja mecánicaTengo que empezar la crónica de este segundo día con una valoración muy personal, no puedo evitarlo. Y es que ésta vuestra servidora, a las 12:48 p.m., supo por fin qué era la felicidad... de la mano de La naranja mecánica. Una de las grandes obras maestras de Standley Kubrick, estrenada en 1971. Por fin la podía ver en pantalla grande, un sueño que la verdad no creía que iba a poder ver realizado y, si eso no fuera poco, presentada por el mismísimo Malcolm McDowell ("welly welly welly", empezó... y nos metió a todos en el bolsillo). En definitiva, un lujo para ojos y oídos...

Al finalizar la proyección tanto el productor como el actor de esta maravilla cinematográfica se prestaron a responder las preguntas de un público más que entregado. Preguntas que, lamentablemente, siempre son las mismas (¿Cómo fue trabajar con Standley Kubrick? ¿Era ángel o diablo?...), pero siempre se aprende algo nuevo: por aquel entonces Kubrick era ya perfeccionista y autoexigente (nos recuerdan que Eyes wide shut tardó treinta años en prepararla), sí, pero, al contrario de la crudeza de sus films, era una persona totalmente optimista. A lo único que le tenía miedo (aparte de a volar) era a realizar una película que no importase, que fuese irrelevante. Y, respondiendo a la pregunta de si ven que sigue siendo tan actual y sigue sorprendiendo tanto como hace más de veinte años, la respuesta del actor fue clara: "Pensábamos que estábamos rodando una comedia negra, pero la reacción del público fue incompresiblemente negativa, desmesurada. Hace dos años asistí a la proyección del film, y vi cómo, por fin, el público reía a pleno pulmón. Por fin se entiende lo que el film y el autor - Anthony Burguess - querían hacernos ver". ¿El broche final? McDowell, bajo petición de un incondicional, cantó algunas estrofas de Singing in the rain...

Cómo destrozar un mito (o Julie Delpy otra vez en la dirección)

Sección Oficial Fantàstic en Competició. The Countess de Julie Delpy (Francia, 2009)

The CountessThe Countess fue presentada también durante la segunda jornada del festival, con una más que discreta acogida. Y es que a Julie Delpy se le ha ido la mano: una cosa es intentar desmitificar la figura de Elisabeth Báthory, la denominada "Drácula femenina", y otra muy diferente llevar al otro extremo ese mito, convirtiendo a la Condesa en una pobre incomprendida que enloquece de amor y cuestionando las barbaridades que en realidad cometió esta mujer.

Por poco que se conozca la historia de Báthory, y aun creyendo exclusivamente un tercio de lo que se dice que hizo... santa santa, no fue. La aproximación de la directora es acertada, sí, al hacernos ver que su condena pudo estar relacionada con la envidia y ansias de poder de alguno de sus familiares, pero sobre todo por librar al rey de la deuda que éste tenia pendiente con su familia como pago a la "dedicación" en la matanza del enemigo. Pero Elisabeth Báthory fue una mujer en un mundo de hombres. Criada bajo disciplina militar y abandonada por su marido por culpa de la guerra, la única forma de imponerse y ser respetada era, inequívocamente, siendo cruel. Eso sí, es posible que esa crueldad, común en la época y necesaria en su entorno, le llegase a gustar. Demasiado.

En el segundo pase que se realizó de la película en el cine de El Retiro al día siguiente sin ausencia de prensa acreditada y con la sala llena por el público fiel del festival,  se ratificó nuevamente, una recepción gélida con un tímido aplauso al principio y al final. En clara contraposición a la sesión de la que pudimos ser testigos, la noche del mismo viernes de, pongamos por caso, una película en apariencia menor dentro de la selección de la programación del festival: Yatterman de Takeshi Miike. La sobriedad y el intimismo tenebrista de la historia de Julie Delpy perdió la partida frente al multicolor lisérgico del kitsch con denominación de origen (japonés para más señas) en un hipotético duelo entre ambos largometrajes.

Y es que aunque Julie Delpy quiere darle un sentido actual a una historia enclavada en el territorio mítico de las ancestrales leyendas de vampiros (y ver asimismo qué hubo de realidad detrás de la leyenda), por mucho que busque una composición pictórica en alguno de sus encuadres o que cierre su film con abundantes planos medios y primeros planos, el intimismo de una locura de amor no alcanza para una película que acaba resultando bastante aletargada e insatisfactoria.

Alguna concesión guignolesca con alguna escena de explicitud hemoglobínica, pareciendo querer rendir cuentas a los fans del fantastique, no son elementos suficientes para que pueda inscribirse en el ámbito fantástico, porque el romanticismo dramático como brújula sesga el vuelo a un relato que podría haber dado muchas posibilidades si Julie Delpy hubiese querido adentrarse de pleno en los cauces del fantástico. Entendemos el discurso feminista que se esconde ante esta historia. Vemos la obsesión por la eterna juventud como obcecación del pasado y, sobre todo, del presente. Y sí, Julie Delpy está genial en su interpretación. Pero ya decimos, otro planteamiento hubiese sido más agradecido. Quizás es que estemos pensando en The Pit and The Pendulum (1961) de Roger Corman, película también rescatada en la edición de este festival.


Sección Oficial Fantàstic Panorama. Crows zero 2 de Takashi Miike (Japón, 2009)

 
Moderno cine de adolescentes... gracias, Takashi

El espectáculo del día llegó con una de las películas más esperadas por un público absolutamente fanático: Crows 2, de Takashi Miike.

Crows IISecuela de la ya famosa Crows-Zero, que se estrenó el año pasado en Sitges, Crows 2 va más allá del manga en el que se basó la primera: después de dos años de la batalla inicial, que acabó con la injusta muerte del líder de una de las bandas, la tregua entre los dos institutos, Suzuran y Hosen, llega a su fin. Hosen quiere venganza y Suzuran está dividido, lo que hace que el planteamiento y ejecución de la ineludible batalla final no sea fácil.

Si fuese un film americano, seguramente hubiese sido muy aburrido o muy típico. Pero éste se convierte en toda una experiencia gracias a tres elementos: un director especializado en acción,  que sabe sacarle provecho a cualquier escena. La segunda, una banda sonora de infarto, protagonista también en el film, compuesta por canciones de las mejores bandas de rock japonés de la actualidad. Por último, los actores, que en Japón son la "nueva hornada" y que, sinceramente, sorprenden quizá por su parecido con los dibujos manga que interpretan (a destacar también el maquillaje: ojos morados como siempre vemos en las viñetas...). Evidentemente, está el choque cultural. Y es que no deja de sorprender esa habilidad que tienen para mezclar acción, drama y humor, saltando de uno a otro sin que parezca haber conexiones lógicas entre ellas y que, sin embargo, funcionan. En contra de lo que podíamos pensar en un inicio, es muy muy recomendable (pronto será editada en DVD).

Camisetas con la efigie de Ichi the Killer atestiguaban que había espectadores seguidores de Miike haciendo cola para ver la secuela de Crows Zero. Y fuesen muchos, o no, los seguidores del director, el caso es que la recepción a la película por parte del público presente en El Retiro fue estruendosa y nadie podría catalogarlo de fracaso. Y eso que contábamos con unas condiciones atmosféricas insufribles por una mala refrigeración del cine en un sábado que se despertó todavía muy veraniego para las fechas en las que estamos. Pensar que lluvia y frío siempre han ido de la mano en el festival...

Para los que hayan visto la primera parte, saben lo que nos vamos a encontrar ante una secuela que respeta con pulcritud los planteamientos de la primera. Y contra todo pronóstico, la acción aparece dosificada, casi solo reservada para la escena final. Si queréis seguir leyendo sobre el segundo plato de Miike en el festival, os acompañamos a la crítica que realizamos.


Sección Oficial Fantàstic en Competició. Thirst de Park Chan Wook (Corea del Sur, 2009)

Amor de sangre...

thirstAy, Park Chan Wook. Después de la majestuosa trilogía de la venganza con esa obra maestra de esta década (Old boy, 2003), Park Chan Wook necesitó darse un cambio de aires y se lanzó al ruedo con una comedia romántica de dos locos en un manicomio y claramente poppy y happy, no sin su humor excéntrico (I'm a Cyborg, but that's ok, 2006).

Ahora se acerca al festival no solo con su película bajo el brazo, sino a recoger La máquina del temps como premio a toda una carrera. Y Park Chan Wook, después del pequeño paréntesis se adentra en el género vampírico en una película que es un festín para todo aquel seguidor del fantástico. Una película excesiva, purulenta, hemoglobínica y desagradable a ratos, que cuenta con una secuencia de un polvo de órdago entre el cura vampiro (la super estrella coreana Song Kang-ho) y la retorcida protagonista.

Porque coincidiendo con la jarana que se montó en el festival con la presentación de la nueva película de la saga Crepúsculo, Thirst es un bofetón en toda la cara ante un relato con un humor negrísimo en el que no falta sexo y mucha sangre, tal como deben ser los relatos vampíricos.

Lo dicho, una auténtica gozada, para los amantes del género.


Día 3

Por Manu Argüelles

03/10: The Pit and the Pendulum

Sitges Especials. The Pit and the pendulum de Roger Corman (EUA, 1961).

Locura de amor

PitEn la edición de este año con la colaboración de la editorial Valdemar, el festival de Sitges edita Las sombras del Horror, Edgar Allan Poe en el cine, escrito entre otros por Angel Sala, Jesús Palacios y Antonio José Navarro, que a buen seguro debe ser una excelente exploración de la traslación del universo de Edgar Allan Poe a material fílmico. Y coincidiendo con la publicación de dicho libro, la edición de este año nos ofreció el sábado, dentro de los especiales que nos depara el festival, la proyección de  The Pit and the pendulum (1961) de Roger Coman, una de las más famosas adaptaciones de una novela de Edgar Allan Poe.

Al margen de la fidelidad, o no, al espíritu literario de la obra original, en Roger Corman, como ya es bien sabido, menos es más, especialmente en estas obras que realizó en los años 60, en las que aunó, en un malabarista ejercicio, calidad y medios escasos (o bajo presupuesto). La película cuenta con el maravilloso Vincent Price, mito de la infancia de Tim Burton, en una deliciosa interpretación, con una afectación un tanto teatralizada. Pero frente a lo que suele ocurrir en otras ocasiones, este tono interpretativo casa perfectamente con las intenciones del film en establecer un cuento gótico que nos habla de la locura de amor, las infidelidades y el desequilibrio psicológico inducido por malas artes conspiratorias.

Por la fecha de producción del film, es evidente que el avispado Roger Corman, al confeccionarlo, se estaba mirando en el espejo de la Hammer con sus narraciones góticas de corte fantástico, con una paleta cromática muy technicolor. Sin apenas salir del castillo enclavado en tierras españolas, Corman demuestra aprender las lecciones de la Hammer y nos ofrece una ambientación hechizante y resultona con un toque muy british, que hará las delicias de todo aquel que tenga debilidad por estos relatos decimonónicos de corte fantástico. Y en plena época del apogeo del LSD (no olvidemos que Roger Corman realizó en 1967, The Trip a mayor gloria del consumo del LSD), la película cuenta con unos psicotrópicos flashbacks con unos colores aditivos saturados,  embargados en un áurea alucinógena gracias a una resultona distorsión en el foco de la cámara. 

Decíamos de The Countess (Julie Delpy, 2009), en la crónica del día anterior, cómo fallaba en su intento de aunar fatalismo romántico con las claves genéricas de un cuento de terror de corte clásico. Pues bien, para resarcirnos del mal sabor dejado por Julie Delpy, no hay nada como echar la vista atrás y revisar este largometraje que con menos ambición consigue lo que busca. Y yo aconsejaría una sesión doble (recordando aquellas sesiones dobles del cine de barrio) de este film con Las novias de Drácula (The Brides of Dracula, Terence Fisher 1960), para regalarnos una sesión excelente de buenas historias de terror clásicos.


Día 4

Por Arantxa Acosta

04/10: The Hole, Mushashi y Ne te retourne pas

Sección Especial FOCUS 3-D. The Hole de Joe Dante (EUA, 2009)

Sitges apuesta por el cine en 3D

holeUna madre se muda con sus dos hijos a un pueblo. Pronto los niños, acompañados de la guapa vecina, descubrirán un misterioso agujero en el sótano. A partir de entonces, extraños sucesos se desencadenarán hasta que encuentren la clave para eliminarlos y volver a la tranquilidad...

Con esta breve descripción ya podemos ver que, si no fuese por el aliciente de haber sido rodada en 3D, The Hole (Joe Dante, 2009) no pasaría de ser una típica película americana de terror, tirando a aceptable (cosa que no puede decirse siempre), eso sí... el director de films como Gremlins o El Chip Prodigioso,  ha conseguido, como él mismo explica "combinar el cine de sustos y el drama juvenil... el 3D ha servido para sumergir al espectador en la historia". Hay que reconocer que hasta el final sabe mantener la tensión, pero... ¿por qué los finales de todo este tipo de películas (La Mansión, por ejemplo) siempre acaban decepcionando un poco?

La otra película proyectada en 3D fue la famosa Toy Story. Film padre de la nueva animación, esta vuelta de tuerca ha conseguido volver a enternecer a los más nostálgicos.

Sección Oficial Fantàstic en Competició. Musashi: The Dream of the Last Samurái de Mizuho Nishikubo (Japón, 2009)

No, no es un film manga...

musashiMusashi: el último samurái (Mizuho Nishikubo, 2009) sorprendió, sin duda, a más de uno. Y es que la euforia inicial, sin duda por la excitación de poder ver una película manga sobre la vida y hazañas del autor del famoso best-seller "The book of five rings" (seguro que él ahora se sentiría muy orgulloso), se fue convirtiendo poco a poco en una completa desilusión, que incluso llegó a terminar con el abandono de la sala. Y es que hay que saber qué se va a ver. Al menos, informarse mínimamente...

Musashi es un documental en dibujos animados. Combinando imágenes reales, dibujo manga y animación por ordenador, el documental reúne todos sus elementos básicos: tenemos un narrador (con ayudante despistada incorporada), un protagonista y un enigma a resolver: por qué Musashi nunca habló de su mayor victoria. Para poder explicarlo, el director se remonta a explicar cómo surgen los samurais (partiendo de la historia de los caballeros occidentales y sus armaduras, de cómo las adaptaron los soldados chinos y finalmente los japoneses), qué armas utilizaban y cómo un visionario samurái, experto en estrategia, supo combinar todos estos elementos para crear una técnica que le hizo invencible. ¡Ah! Pero tuvo la desgracia de vivir entre guerras: nunca pudo llegar a demostrar lo buen comandante que hubiese sido...

En definitiva, Mishima convence por su técnica, por intercalar bromas al más puro estilo manga (agradecidas cuando el ánimo del espectador empieza a decaer) y por su objetiva investigación para mostrar al verdadero guerrero. Pero, sinceramente, no es un film para el gran público, no.

Sección Oficial Fantàstic en Competició. Ne te retourne pas de Marina de Van (Francia, 2009)

Miedo a aceptarse  

retourne pasMonica Belluci es Sophie Marceau. Sophie Marceau es Monica Belluci. Con Ne te retourne pas (Marina de Van, 2009) la directora consigue, incluso, que nos olvidemos del duelo entre las dos actrices de mayor peso del actual en el cine europeo, haciéndonos ver con una historia llevada al extremo, cómo podemos darnos cuenta de que, al menos a veces, estamos viviendo una vida que no es la que deberíamos, no reconocemos en qué nos hemos convertido o cómo nos hemos anulado nosotros mismos.  

Después de la ya de culto Dans ma peau (2002), Marina de Van obtiene lo mejor de estas dos actrices, implicándolas en una historia de ficción e intriga que atrapa íntegramente al espectador hasta el mismísimo final (aunque pueda adivinar de una forma relativamente sencilla qué está pasando), consiguiendo sacarle incluso una última sonrisa de complicidad. Con todo esto, le perdonamos los fallos de puesta en escena entre algunos planos y escenas.


Día 5

Por Arantxa Acosta

05/10: Mr. Nobody, Malice in Wonderland y Grace

El día empieza con una de las grandes esperadas en el festival, y eso que es lunes. Presentada por su director. Bajamos luego a Retiro para ver dos de las "rarezas": una adaptación libre (muy libre) de la famosa novela de Lewis Carroll, y Grace, al límite entre el cine fantástcio y el gore. En fin, un día ameno...
Sección Oficial Fantàstic en Competició. Mr. Nobody de Jaco Van Dormael (Bélgica, 2009)

Las consecuencias de nuestras decisiones

nobodyImaginativa, confusa, trágica, romántica, futurista... Sencillamente, brillante. Como muchos otros films o libros fantásticos de la época dorada americana, Mr. Nobody nos sitúa ante una siencilla pregunta: ¿qué es el tiempo?

La pregunta es simple, pero la respuesta no. Hay teorias de todo tipo, desde que el tiempo es una dimensión lineal (teoría que podemos disfrutar con Regreso al Futuro, Robert Zemekis, 1984, por ejemplo: en ella cualquier cambio que se realice en el pasado altera el futuro conocido), hasta las que defienden que conviven en un mismo espacio físico distintos espacios temporales. Y precisamente esta es la teoría que desarrolla Jaco van Dormael en su film, utilizando como hilo conductor la difícil decisión que un niño de nueve años debe tomar: quedarse con su padre o irse con su madre. El destino está escrito... todos ellos. ¿Por qué creemos que únicamente puede darse uno? ¿Por qué no es posible que se vivan todos, pero simplemente que cada uno sea consciente de uno de ellos? En definitiva, el destino se crea a partir de cada decisión tomada, por más simple o compleja que sea, así que: ¿por qué sólo un destino? ¿por qué sólo una vida, una muerte?

Así, el director desarrolla la fragilidad de nuestras decisiones a través de la(s) historia(s) del Sr. Nadie. Combinando romanticismo, drama, e incluso la explicación científica de qué se considera es el mundo y a dónde nos va a llevar (de una forma realmente ingeniosa), nos vemos sumergidos rápidamente en el concepto de la complejidad de la vida, siguiendo todas las ramificaciones que vive el protagonista, desde la vida con su padre, con su madre, con sus esposas, solitaria... vidas que difieren pero que inevitablemente se entremezclan, porque la persona, en cualquier caso, es la misma. Y todo esto aderezado con un montaje que consigue explicar perfectamente todas y cada una de las historias, aunque inicialmente pueda parecer que no conseguiremos seguir el rompecabezas. Una producción exquisita, unas puesta en escena impecable (desde la recreación del pequeño pueblo de los años 70 hasta el concepto de vestuario y transportes en Marte, pasando por el mundo imaginario de un niño indeciso). A destacar un Jared Leto que brilla con todas sus interpretaciones (muy buena elección, no hay más que recordar su trabajo en Requiem por un sueño, 2000, para considerar que es el típico actor que se desenvuelve bien ante los retos) y, por supuesto, un guión y dirección dignos de premio.

 Sección Oficial Fantàstic Panorama - British Focus. Malice in Wonderland de Simon Fellows (Reino Unido, 2009)

"He visto cerdos más kosher"

maliceEn la sección British Focus encontramos esta pequeña perla indie. Mientras esperamos la nueva superproducción de la mano de los casi inseparables Burton-Depp (que seguro será fiel al libro y no les habrá importado gastarse el presupuesto necesario para conseguirlo), podemos disfrutar de esta bienintencionada, mal-hablada, picante y sin grandes pretensiones (que es precisamente lo que la hace más especial) adaptación, que sitúa a nuestra querida Alice en un barrio del extra radio de Londres, donde el conejo estresado por el tiempo es un taxista, la reina es un jefe de la mafia y el gato es un DJ. Lástima que hayan querido ampliar un poco más la trama y hayan edulcorado mucho un final, que poco aporta a la historia pero, en cualquier caso, Malice in worderland debe apreciarse por ese intento, poco usual, de llevar a nuestros días una fábula sobre el tiempo y la memoria (coincidencias del día, el tema de la película anterior...).


Sección Oficial Fantàstic en Competició. Grace de Paul Solet (EUA, 2009)

¿Qué llegaríamos a hacer por un hijo?

gracePues, seguramente, lo que esta madre. Madelaine ha intentado por todos medios ser madre. Cuando por fin lo consigue, y a pocas semanas de dar a luz, un terrible accidente de coche acaba con la vida de su marido, pero también de su esperado bebé. Contra todo pronóstico, Madelaine decide esperar a que llegue el momento del parto. Y es entonces cuando sucede el milagro: aunque Grace nace muerta, cuando su madre se la acerca al pecho cobra vida. Pero el precio que tendrá que pagar su madre será muy alto...

Como ha introducido su director, Paul Solet, antes de que se iniciase su proyección, se trata de un film fantástico cuya presentación en un festival cumple un sueño ("Os agradezco que hayáis decidido venir a ver mi película en lugar de ir a trabajar", ha dicho). Un final que destroza gran parte de la (poca) filosofía inicial del guión y, por si fuera poco, añade una violencia al más puro estilo gore que, sinceramente, no hacía falta. Eso sí, habrá hecho las delicias para un público totalmente volcado en el festival para ver películas de zombies. Si ese es vuestro caso... no os la perdáis.


Día 6

Por Arantxa Acosta

06/10: Splice, The hurt locker, Timer y Valhalla Rising

A medida que pasan los días, el festival entra en carrera. Os destacamos hoy cuatro films que darán que hablar, y mucho...

Sección Oficial Fantàstic en Competició. Splice de Vicenzo Natali (Canadá, 2009)

¿Hacía falta?

spliceHoy veíamos de nuevo a Sarah Polley en un papel muy diferente al de ayer, Mr. Nodoby. Mientras en la fantasiosa historia del viejo con mil vidas vividas (nueve, para ser más precisos) encontrábamos una más que creíble Polley depresiva, en ésta, en cambio, gira 180º su registro, interpretando a una bióloga fuerte, decidida y líder. Y la verdad es que ha sido uno de los pocos alicientes de Splice (Vicenzo Natali, 2009). Esperábamos algo más del director de Cube (1997) y Cypher (2002), la verdad. Splice es  previsible, demasiado previsible. Su argumento acerca de un par de científicos que se saltan la prohibición de investigar con ADN humano y acaban creando un monstruo, no aporta nada nuevo al cine fantástico. A caballo entre Alien, 1979 (por la forma inicial de nacimiento del "bicho"), Mimic, 1997 (por lo de la búsqueda de una raza distinta) y Species, 1995 (necesidad de aparearse, y eso), no hay nada que pueda determinarse como completamente genuino en este film. Si a esto le añadimos los tópicos de chico-no-quiere-seguir-chica-le-seduce-para-hacerlo y cruzar o no la línea de lo ético y moral si el fin es bueno para la humanidad, pues ya tenemos un refrito completo. Eso sí, los efectos especiales, de infarto. Faltaría más, ¿no?

Sitges Especial. The hurt locker de Kathryn Bigelow (EUA, 2008)

Guerra: terror en estado puro

bigelowAunque inicialmente alguien podría cuestionarse por qué este film ha sido seleccionado para su pase como sesión especial, la respuesta es evidente: a diferencia de Splice, The hurt locker (Kathryn Bigelow, 2009) sí puede decirse, rotundamente, que es terrorífica. Y es que no hay nada peor que saber que lo que se nos muestra es real como la vida misma: la guerra en Irak.

La directora ha querido acercar al espectador al conflicto, de la mano de un grupo de artificieros. Así, nos aleja de las grandes batallas pero, lo que la hace más traumática, nos hace ver, vivir y sentir como si fuésemos nosotros mismos la tensión diaria de un grupo que varias veces al día se expone a la muerte. En todo momento seguimos a este equipo y conocemos, entre desactivación y desactivación, sus fortalezas y, por encima de todo, sus debilidades y cómo intentan enfrentarse a ellas, superarlas. Se agradece que no se haya balanceado la película hablando de "buenos y malos", porque, en realidad, eso no importa: se trata, en todo momento, de hombres que buscan sobrevivir. Bigelow vuelve a gustar, y mucho, ahora con un film de acción bélica a la vieja usanza. Cruda, muy cruda. Pero indispensable. A destacar un casting que parece hecho a medida para el fin, sin olvidar apariciones de lujo como la de Ralph Fiennes (que trabajó con la directora en Días Extraños, 1995, uno de los mejores films fantásticos de la década de los 90).

Sección Oficial Fantàstic en Competició. Timer de Jac Schaeffer (EUA, 2009)

Maravillas de la tecnología

timerTodos nos esperábamos una ligera comedia romántica ("ésta hoy la han puesto de relleno" ha llegado a oírse en el Auditorio), con poco que ver con la temática que caracteriza al festival. Pero, como nos ha precisado su directora, Jac Schaeffer, "No me gusta que cataloguen mi película como comedia romántica. TiMER es una comedia romántica de ciencia ficción". Y qué razón tenía al defenderla...

TiMER nos ha gustado por su sencillez. Consigue conectar con un público nada entregado en su inicio, pero que pronto se da cuenta que no se encuentra ante un film típico. Porque la idea de que exista una pulsera que nos indique en qué momento vamos a conocer a nuestra pareja ideal, y que nos lo confirme con una alegre melodía cuando miremos ese día a los ojos a la otra persona... sinceramente, nos gustaría a muchos que fuese real. Pero el guión nos hace ir más allá, pensando si realmente la idea es tan buena como parece: ¿qué seria de nosotros sin vivir los inevitables desengaños, sin tener esperanza de que el/la siguiente sí va a ser la definitiva? Dejaríamos de conocer a gente interesante, simplemente porque ya no nos fijaríamos, únicamente estaríamos pendientes del cuándo y dónde encontraremos a nuestro gran amor... El primer film de esta directora (escritora hasta la fecha) es una muy buena carta de presentación, habrá que ver si sigue su estrella.  A destacar también el papel de Emma Caulfield: no hay nada más halagador para una actriz que el conseguir que nos olvidemos al verla de su personaje en Buffy cazavampiros.

Sección Oficial Fantàstic Panorama. Valhalla Rising de Nicolas Winding Refn (Reino Unido - Dinamarca, 2009)

Vikingos de autor

valhalla¡Ah! Valhalla Rising ha dado mucho que hablar. Aunque con la balanza ligeramente desequilibrada hacia sus detractores, la verdad es que la película ha conseguido, hasta el momento, dividir tanto a prensa como a público...

El film recrea la mitología nórdica: Valhalla es la fortaleza donde acaban los guerreros que han muerto combatiendo. Y lo hace a través de la historia del apodado One-Eye, un forzudo guerrero tuerto que es el mayor temor tanto de cristianos como de vikingos, ya que se dice que nunca pierde una batalla porque sólo le mueve el odio... Maarten Steven interpreta brillantemente a este vikingo, que sin pronunciar ni una sola palabra nos transmite toda su fuerza y compleja personalidad. Para representar este mundo, el director estructura el film en seis partes, lo que ayuda al espectador a estar pendiente del avance de cada capítulo, como si de una novela se tratase. Los diálogos no abundan, pero no hace falta: sólo con los paisajes, las explícitas imágenes de las peleas (muy muy violentas) y, sobre todo, una metálica banda sonora que realza los momentos de más tensión, y que es, sin duda, alguna co-protagonista de la historia. Con todo esto, Winding Refn ha conseguido un consistente film épico que, como decíamos al inicio, será tan amado como odiado... verdadero cine de autor.


Día 7

Por Arantxa Acosta

07/10: Moon, Shadow y Heartless

Hoy se presenta una de las grandes más esperadas en el Festival: Moon, primer film de Duncan Jones con Sam Rockwell como protagonista indiscutible. Pero hoy también destacamos en la programación dos films totalmente opuestos: Shadow y Heartless, que compiten (¿?) junto a Moon en la sección oficial Fantàstic Competició.

Sección Oficial Fantàstic en Competició. Moon de Duncan Jones (Reino Unido- USA, 2009)

Cine de ficción como Dios manda

MoonGracias a Duncan Jones el cine de ficción recupera el estilo de los 70 y 80, décadas doradas para este género. Y es que contrariamente a lo que otro director podría haber hecho, (recuerdo el breve resumen de Splice, presentada ayer en  el festival), Jones únicamente se sirve de dos elementos, muy poderosos, con los que ha conseguido un film redondo y nos ha hecho ver que los métodos de la vieja usanza siguen más que vigentes. El primero, centrar el film en las vivencias de un único personaje, suficiente para explicar la ocurrente historia: Sam lleva 3 años solo en la Luna, haciéndose cargo de las "cosechadoras" de energía pertenecientes a una gran multinacional. Cuando le quedan únicamente tres semanas para volver a casa, empieza a tener visiones y cambios de humor, que desembocarán en un terrible accidente... inicio de un gran descubrimiento.

El segundo método, el uso de maquetas y decorados para representar el universo lunar y la estación donde está emplazado Sam. Hacía tiempo que no veíamos un recurso tan simple y tan efectivo, por culpa quizá de un excesivo (¿?) de la informática  (esto me recuerda que en breve podremos disfrutar de Avatar, la esperada película de James Cameron, de la que hemos podido visionar el tráiler durante el Festival).

Quien lleva el peso de toda la película es un Sam Rockwell digno de premio. Combina perfectamente arrogancia, escepticismo y racionalismo junto a humildad, miedo y bondad. Sabíamos que el actor de films como Confessions of a dangerous mind (George Clooney, 2002) o Asfixia (Clark Gregg, 2008) era uno de los grandes talentos desconocidos aún en Hollywood, pero con esta interpretación nos ha dejado realmente boquiabiertos... no será de extrañar que a partir de ahora veamos a este actor más a menudo (empezando por Iron Man 2). En cuanto a Jones, no podría haber tenido mejor carta de presentación, sin duda pronto se le dejará de nombrar con la coletilla "Duncan Jones, el hijo de David Bowie". Con un claro homenaje a 2001: Odisea en el espacio (Stanley Kubrick, 1968), ya que aparece una versión edulcorada de HAL (al que esta vez da vida Kevin Spacey) vemos también similitudes en su argumento y puesta en escena con Solaris (Andrei Tarkovsky, 1972 / George Clooney, 2002) y Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979).

Angustiante y visionaria, con un muy bajo presupuesto, Jones consigue trasladarnos a un futuro donde la conquista de la Luna parece al alcance de la mano y en la que los giros narrativos atrapan completamente mientras avanza la película, llevándonos a pensar, en un  inicio, que estamos ante un film sobre el aguante de las personas en situaciones extremas (a lo Náufrago, Robert Zemeckis, 2000), hasta el creernos que en realidad se trata de cortos viajes en el tiempo (como Primer, Shane Carruth, 2004). Y... ni uno, ni lo otro. En definitiva, realmente imprescindible para amantes del género (ya es la segunda que recomendamos rotundamente, junto a Mr. Nobody) y para el público en general.

Sección Oficial Fantàstic Panorama. Shadow de Federico Zamplagione (Italia, 2009)

Guerra: terror en estado puro (bis)

shadowBajamos a Prado para poder disfrutar, si nos gusta pasarlo mal (muy mal) ante la gran pantalla, de una de esas que no defraudan a los más incondicionales... pero lo que nos encontramos es, de forma mucho menos explícita que en The hurt locker (que comentábamos en la crónica de ayer) otra película sobre la guerra de Irak. Eso sí, de forma muy camuflada... y es que, como también decíamos ayer, la Guerra puede (y debe) despertar auténtico terror.

La verdad es que, suponemos porque íbamos preparados (los responsables del festival la anuncian como "una de las producciones más extremas de esta edición), no nos ha resultado tan impactante. No obstante, sí que es verdad que algunas escenas llegan a incomodar. Podríamos dividir Shadow (Federico Zampaglione, 2009) en dos partes: la primera, que nos pone nerviosos al pensar que nos hemos equivocado al escogerla, se limita a presentar a los personajes (los buenos y los muy malos), incluyendo interminables y poco verosímiles persecuciones por un bosque (¿quién puede creerse que un jeep no logra acortar la distancia a dos bicicletas en una carretera de montaña?). En la segunda, se entra en materia: tres de los protagonistas son capturados y torturados por Mortis, hasta que llega el inesperado, aunque alguna pista se ha ido dando, giro final. Si bien estábamos de acuerdo con Duncan Jones cuando, hablando de su Moon, nos decía que estaba harto de los films que esperan al final a hacer un cambio en la trama, hay que reconocer que en Shadow ese giro nos hace cambiar totalmente la impresión que durante una hora nos estábamos llevando.

Sección Oficial Fantàstic en Competició. Heartless de Philip Ridley (Reino Unido, 2009)

"La belleza es el inicio del terror"

heartlessPhilip Ridley vuelve a ponerse detrás de las cámaras tras años de inactividad, cosa que justifica con un "quería volver a filmar cuando tuviese un buen motivo, que ha sido encontrar a Jim Sturges para mi historia".

Pues tiene toda la razón, este joven actor es uno de los (pocos) alicientes de la película: transmite una naturalidad y frescura insólitas, y es la pieza clave de Heartless. Sturges interpreta el papel de un joven que nace con una gran mancha de nacimiento que le cubre medio rostro y le acompleja tanto que haría lo que fuese, incluso un pacto con el Diablo, para tener una vida normal, a saber: ser guapo, que se limita a borrar la mancha de nacimiento, tener una preciosa novia, casarse, tener hijos (sí, para otros podría ser una pesadilla, sí...). Pero, de todos es sabido que el Diablo no es de fiar y le hará pagar un alto precio para seguir adelante con su personal negocio... vamos, nada nuevo. Así, ni el guión (la historia, aunque lo pretende, no tiene trasfondo), ni los efectos especiales, ni la fotografía destacan en absoluto (sí, la banda sonora, firmada por David Julyan, y alguna que otra escena de lo más inquietante, como en la que comparten un boy con el protagonista), así que, sinceramente, es un film olvidable: ni sorprende, ni emociona, ni será recordado. Mejor ir a ver otra del género. No obstante, para ser justos, esta no pareció ser la opinión de la mayoría del público, que no dudó en vitorear al finalizar la proyección. Para gustos, colores...


Día 8

Por Arantxa Acosta

08/10: 9, Enter the void, Morphia y Dorian Gray

El día de hoy viene lleno de ficción de distintos tipos y formatos: desde la historia apocalíptica de 9, pura infografía, que nos muestra un mundo gobernado por máquinas; la nueva adaptación de una de las grandes novelas de la historia inglesa, la conocida "El cuadro de Dorian Gray" de Oscar Wilde, pasando por la historia de un médico adicto a la morfina y la visión del viaje post-mortem del alma de un chico asesinado que sobrevuela Tokio...


Sección Oficial Fantastic Panorama. 9, de Shane Acker (USA, 2009)

Héroes de trapo

9Como en Terminator o Matrix, 9 (Shane Acker, 2009) nos presenta un mundo post-apocalíptico, donde la guerra contra las máquinas ha llegado a su fin, siendo el resultado la muerte de todos los humanos. Pero no está todo perdido: antes de morir, un científico insufló su propia alma a un total de nueve muñecos de trapo, que se verán en el deber de devolver al mundo la Paz.

Avalada por Tim Burton, Timur Bekmambetov y Jim Lemley, 9 es imaginativa (hay que reconocer que pensar en muñecos de trapo para representar a los héroes que van a salvar del mundo no es una idea muy común), pero se hace demasiado larga. Y es que el guión da para un corto, sí (de hecho, este film es la evolución de la incursión que hizo en este nivel, presentado en el Festival de Sitges de 2005 y nominado a los Oscar), pero para hacer un largometraje se debía ampliar la narrativa, no se podía dejar la misma idea original sin evolucionar... porque el resultado final no es del todo consistente. Para llegar a largo, parece que simplemente se hayan escrito escenas de acción. Y llega un momento en el que tanta persecución máquina-muñecos, llega a agotar. Hubiese sido muy interesante que se centrase más en el hecho de por qué se ha llegado a este estado, dotar de un poco más de historia al inicio de la guerra y profundizar en las relaciones entre los muñecos (al fin y al cabo, provienen de la misma fuente... ¿por qué son tan diferentes?). Aunque supongo que esto es mucho pedir. Eso sí, a nivel técnico, abrumadora: muy recomendable para amantes de la infografía.


Sección Oficial Fantàstic Competición. Enter the void, de Gaspar Noe (Francia, 2009)

Delirio psicodélico

Enter the voidOscar es un "camello" en la gran ciudad de Tokio. Linda, su hermana, es stripper. Una noche, una de las entregas de Oscar tiene final trágico: la policía japonesa acaba con su vida en el baño de un bar. A partir de aquí, el chico (o mejor dicho, su alma), que se niega a dejar el mundo de los vivos, vagará por la ciudad, en un viaje lleno de alucinaciones, colores y recuerdos de pasado y presente que se entremezclan con un único objetivo: proteger a su hermana, a la que prometió que nunca abandonaría. Enter the Void (Gaspar Noé, 2009) es toda una experiencia visual. Ya los créditos iniciales nos preparan al viaje que, nosotros, los espectadores, vamos también a realizar junto al personaje.

Para representar el delirio por el que va a pasar el protagonista, pero también para que nos introduzcamos en su piel, Gaspar Noé nos hace ver en todo momento las imágenes que Oscar está viendo, como si mirásemos el mundo con sus propios ojos mientras habla con su hermana, con su amigo Alex o cuando sobrevuela la ciudad. El resto de veces, nos deja "descansar" siguiendo muy de cerca al chico (la cámara siempre situada en su nuca). En cualquier caso, nosotros somos el protagonista... sólo "nos veremos la cara" cuando decide mirarse en un espejo. Por otro lado, cuando está muerto, lo que vemos es cómo nos movemos por la ciudad, gracias a larguísimos planos, buscando a los protagonistas, entrando en edificios traspasando paredes o a través de objetos que nos llevan a otros espacios, incluso nos introducimos en el cuerpo de otras personas para ver y sentir lo que están haciendo... siempre bajo un prisma donde predomina la psicodelia de colores, la deformación de las imágenes, la mezcla temporal... un auténtico viaje a lo desconocido. Con esta excusa, el director explora el mundo nocturno de drogas, alcohol y sexo, pero también en los comportamientos del ser humano, y, por encima de todo, en el hecho de que puedes perderlo todo en un instante... temática que también podíamos ver, desde otro enfoque, en su polémica Irreversible.

Pero el recurso, imaginativo y muy aplaudido al inicio, acaba agotando sobremanera. Porque nuestro personal viaje al mundo de los muertos, donde absolutamente todos los planos son hipnóticos, dura 2 h 45 min. Si a esto le añadimos que el final es más que previsible poco después del comienzo del film... la agonía es total y absoluta. Acabamos suplicando que se termine, y mirando cien veces un reloj que parece haberse parado. Y da mucha pena, porque sólo que hubiese tenido un metraje digno, el film hubiese estado en el Top 5 de los visionados durante este festival.


Sección Oficial Fantàstic Competición. Morphia, de Alexei Balabanov (2008)

Cómo arruinar tu vida

Ambientada en 1917, Morphia nos habla de un joven médico, brillante pero con poca experiencia, que es trasladado a un pueblo de la Rusia profunda. Un pequeño accidente con uno de sus pacientes será el inicio de su rápido final... Adicto a la morfina, hará cualquier cosa, hasta robarla del hospital, para conseguir sus dosis diarias.

Morphia no es el típico film del festival. No es terrorífica, no es fantástica y ni mucho menos de zombies. Pero, dentro de la sección de Nuevas Visiones, destaca por escenificar fielmente la Rusia inmersa en la revolución (con sus diferentes estratos sociales) y los medios que disponía un simple doctor rural para hacer operaciones de riesgo. Así, se nos muestra claramente cómo se las tenían que arreglar por aquel entonces para realizar una amputación o una traqueotomía, y el agradecimiento de los más pobres para con el milagroso doctor. La verdad es que no es de extrañar que se volviese adicto... Un film intimista, a veces cómico por algunas de sus situaciones, a veces angustiante por ver cómo va a acabar todo, pero siempre recomendable si en algún momento llega a distribuirse. A destacar sobre todo su fotografía.


Sección Oficial Fantàstic Competición. Dorian Gray, de Oliver Parker (Reino Unido, 2009)

Nuevo tributo a Oscar Wilde

Dorian GrayReconozco que me esperaba que, quizá por el amor que le tengo al libro, de alguna forma se destrozase el relato de Oscar Wilde. Pero me olvidé de que el director de Dorian Gray, Oliver Parker, ya tiene experiencia en llevar a la gran pantalla textos del gran escritor... y no defraudó.

La historia de Dorian Gray es más que conocida: al verse retratado en un cuadro, se da cuenta de que no será capaz de ver cómo irá perdiendo su belleza. Un pacto con el diablo hará que durante años pueda disfrutar de los placeres de la vida sin que su cuerpo cambie respecto al que fue retratado pero, en cambio, su podrida alma, llena de las acciones malvadas que va perpetrando, se verá reflejada en el cuadro, escondido en el desván.

Parker consigue plasmar fielmente el espíritu del libro, y aunque moderniza el relato (no únicamente por alguna de las escenas, sino también por el vestuario -para el de Dorian se inspiraron en lo que podría llevar el Mick Jagger de la época, figura que también inspiró para la definición de este nuevo Gray- y por el casting -las facciones de Ben Barnes están muy alejadas de la masculinidad más radical de otras adaptaciones), no ha caído en tentaciones, como la de abusar de efectos especiales (aunque muchos de los que hay no harían falta) o exagerar demasiado a alguno de los personajes. Hay que reconocer que nos encontramos ante un film donde se ha cuidado tanto la puesta en escena como, por encima de todo, encontrar a unos intérpretes que estén a la altura. Y, en este sentido, hay que decir que los dos protagonistas principales son de "chapeau": Ben Barnes, más conocido hasta la fecha por su aparición en Las Crónicas de Narnia, es todo un descubrimiento. Consigue mostrar a la perfección los inocentes sentimientos de un joven Dorian Gray que llega a la gran Londres sin haber vivido lo suficiente como para conocer los peligros de la vida, pero también el malvado Gray que descubre de lo que es capaz y no se detendrá para conseguirlo. Pero, lo más importante, consigue cambiar de uno a otro sin ningún tipo de problema. Nos ha dejado estupefactos. El segundo, Colin Firth, a la altura como siempre. Se le dan muy bien los papeles de hombre sarcástico, aunque no sea los que más interprete. Estamos ante un Henry Wotton que, tal y como indica el actor, "es un mirón, no está preparado para ensuciarse las manos. El hecho de que tenga una hija lo vuelve vulnerable, no puede seguir siendo tan frívolo... por ello deja de ser un observador más y se convierte en parte implicada". Y es que, con esta definición, el Henry de Colin Firth nos recuerda y hace pensar en que hubiese interpretado un extremísimo Sr. Darcy... que le va como anillo al dedo a la historia.

Para resumir: muy recomendable, tanto para los que quieren volver a disfrutar de una adaptación del relato como para aquellos que quieren (y deben) descubrirlo.


Día 9

Por Arantxa Acosta

09/10: Carriers, Ingrid, George A. Romero's Survival of the dead , Cold souls y King of Thorn

Los estrenos del día 09 nos traen un par de films a tener en cuenta en cualquier videoteca que se precie, el retorno de uno de los maestros del género especializado en zombies y la experiencia virtual de Eduardo Cortés...


Sección Oficial Fantastic Panorama. Carriers, de Alex y David Pastor (España, 2009)

La importancia de no vacilar ante situaciones límite

CarriersLos barceloneses hermanos Pastor debutan con Carriers... y de qué manera. Nos encontramos ante uno de los films apocalípticos que, lejos de sentimentalismos, nos presenta cómo nos deberíamos comportar, con toda la crudeza que se supone, ante una situación así.

En este caso, el fin de la humanidad se extiende irremediablemente por culpa de un virus letal muy muy contagioso. Un grupo formado por dos hermanos, la novia de uno de ellos y otra chica, viajan en coche hacia la playa, a un refugio donde los dos chicos solían ir de pequeños y que saben va a estar libre del virus.

El guión destaca porque en ningún momento se nos indica cómo se llegó a esa situación, cómo, cuándo ni dónde apareció el virus. Simplemente, se nos sitúa ya en un punto donde todas las personas saben qué deben hacer y lucharán entre ellas, si es necesario, para conseguirlo. A destacar el perfil de los dos hermanos (el mayor, fuerte y carismático; el pequeño, inteligente pero cobarde), clave para que la historia avance siempre con ritmo entre recuerdos, disputas entre ellos y acciones a realizar para seguir vivos. Porque lo imprescindible aquí será seguir las reglas que el hermano mayor impuso: evitar zonas despobladas, protegerse siempre con guantes y mascarillas... y, la más importante: si estás infectado, ya estás muerto. Así, el problema principal les llega al grupo cuando uno de ellos se infecta por no cumplir las reglas: no hay que vacilar, hay que apartarle por mucho que duela. Y se hace.

A nivel técnico, destacar el maquillaje de los infectados y la escenificación de este mundo paralelo: poder seguir viviendo igual siempre que se respeten las cinco reglas. Realmente, se agradece que no nos encontremos ante un film hollywoodiense. Cruda y realista, nos hace plantearnos que es muy posible que todos nos comportaríamos con esa frialdad si estuviésemos en la misma situación: deshacernos de nuestros seres queridos con el único fin de salvarnos a nosotros mismos; matar, si es necesario (por gasolina, por ejemplo), pero ayudar a los que estén en nuestra situación... a no ser que puedan suponer un peligro a medio plazo.

 

Sección Oficial Fantàstic Competición. Ingrid, de Eduard Cortés (España, 2009)

"You'll never catch me"

IngridExplica Eduard Cortés, director, que en 2004 conoció vía fotolog a una misteriosa chica de 22 años, que colgaba fotos de performance o artísticas siempre con el pie "you'll never catch me". El interés por la joven le llevó a estudiar su obra, su entorno, e incluso a ponerse en contacto con ella. Durante un año hablaron por Messenger... hasta que, después de un viaje a París, ella no volvió a dar señales de vida. Desde entonces, quiso dirigir un film sobre esta chica que, finalmente, ha desencadenado en Ingrid.

Y la verdad es que el film traslada perfectamente esa inquietud casi enfermiza por saber, por conocer a la artista, gracias a un Eduard Farelo impecable en el papel de vecino fisgón. El resto de actores (incluso la propia Elena Serrano) fueron contactados por sus dotes artísticas, que podían contribuir al universo de Ingrid, vía redes sociales... Esta espontaneidad da mucha fuerza a un film que consigue retratar la Barcelona cosmopolita en la que algunos afortunados vivimos: fiestas underground, actuaciones espontáneas en la casa de la protagonista, desfiles de moda, plenarios de tatuajes al estilo bondage... También hay que destacar una banda sonora de infarto, con canciones y/o actuaciones de La casa azul, Russian Red, Manos de Topo o Love of Lesbian (que cierra los créditos finales con "La parábola del tonto").

Pero al director se le ha ido la mano con tanto misterio. Porque, con todos los desvíos (un inicio muy confuso, Houdini por todas partes, sueños perturbadores, la probable implicación de Ingrid en un asesinato sin resolver, una venganza fantasmal...) convierte un film tan creativo en un simple conglomerado de imágenes, y rellena un guión con múltiples agujeros (quizá porque ni el propio director sabía cómo resolverlo), con excesivas actuaciones musicales que, aunque buenas, no pueden conformar el global del film. Así, lo que en un principio debería centrarse en el interés por el misterio que rodea a Ingrid, se convierte, poco a poco, en interés por los amigos que la rodean. En fin...

 

Sección Oficial Fantastic Panorama. George A. Romero's Survival of the dead, George A. Romero (USA, 2009)

Parodiándose a sí mismo

George A. Romero's Survival of the deadGeorge A. Romero vuelve a la dirección, y lo hace con lo que mejor sabe hacer: una peli de zombies. En línea con sus otros films, hay que decir que es realmente mala... pero muy muy divertida. Tanto, que hasta te hace cambiar la opinión. Y es que la historia y los personajes son simples, los efectos especiales, cutres... pero es precisamente lo que la hace diferente: en una época en la que podría hacer maravillas con efectos digitales, con mejor maquillaje... Romero se limita a utilizar recursos baratos... pero igual de efectivos.

Aún así, le da una vuelta de tuerca a sus típicas historias de zombies que le llevaron a la fama. En el caso de George A. Romero's Survival of the dead se hace una pregunta: ¿podrían cohabitar en armonía vivos y zombies? Para responderla, nos propone un "zombiewestern": un grupo de militares acostumbrados a matar zombies se fían de un joven que les muestra un vídeo colgado en la red por un hombre, O'Flynn, que afirma que en su isla han conseguido mantener lejos a los zombies. No obstante, cuando lleguen a la isla se darán cuenta del cambio: los Muldon han decidido mantener "vivos" a los zombies, atados con cadenas y cerca de su lugar de actuación habitual (por ejemplo, el cartero al lado de un buzón) con el fin de poder estar siempre cerca de sus seres queridos. El duelo (y la frikada), al más puro estilo western, está asegurado.

Por otro lado, el director abre una nueva vía argumental: zombies que no sólo se alimentan de carne humana, sino animal. Vamos, que con esto se puede abrir todo un abanico de futuras posibilidades al género... se nota que Romero se lo ha pasado en grande.

 

Sección Oficial Fantàstic Competición. Cold Souls, de Sophie Bartes (USA - Francia, 2009)

Paul Giamatti, alma de garbanzo

Cold SoulsCold Souls (Sophie Barthes, 2009) es la tercera película a recomendar de forma fehaciente. Comedia de ciencia ficción, al estilo de Timer pero con mucho más trasfondo y sentimiento, nos presenta a un actor en horas bajas, Paul Giamatti (que se interpreta a sí mismo), que recurre a un almacén de almas para deshacerse temporalmente de la suya y así poder preparar el papel de Tío Vania en una obra, sin la angustia ni depresión que ahora le están torturando. ¡Ah! Ojalá fuese tan fácil... porque Giamatti pasa por un calvario hasta volver a disponer de su alma: desde tener que implantarse la de un "poeta" para volver a tener inspiración hasta viajar a Rusia para recuperar la suya, pasando por dar explicaciones de por qué lo ha hecho a su mujer, ayudar a una de las traficantes de almas (como si de armas o droga se tratase) a recuperar la suya... o que no se le considere actor de éxito.

Si en Heartless encontrábamos a un chico que vende su alma al diablo, aquí nos proponen, simplemente, librarnos de ella, temporal o permanentemente. No tener remordimientos. No tener sentimientos. No sufrir... Así planteado, seguro que más de uno, al menos, se lo pensaría...

Estamos ante uno de los guiones más originales de ciencia ficción que han pasado por el Festival (junto a Mr. Nobody), realzado por el siempre convincente Paul Giamatti, que muchas veces nos recuerda a un Woody Allen que podría estar pasando por esa situación, reaccionando exactamente igual. Giamatti nos demuestra que es tan válido para comedia (excelente escena de la pérdida del garbanzo, junto a un impecable David Strathaim) como para drama (la escena en el teatro interpretando al tío Vania de Txèkhov nos deja boquiabiertos), aunque ya lo sabíamos... Como contrapeso, la siempre infalible Emily Watson, como incrédula esposa.

Cold souls se nos presenta como una amable y sosegada comedia que, sin hacernos reír a carcajadas, nos mantiene una permanente sonrisa en la boca y, además, nos hace plantearnos preguntas trascendentales: ¿Podemos creer en la existencia del alma, en la que residen sentimientos de culpa, su pesadez anímica, etc.? ¿Nos libraríamos de ella si tuviésemos la oportunidad, o cambiaríamos de alma para sentir lo que otro siente, lo que otro tiene en su interior? En este caso... ¿llegaría a ser como una droga, con la que se podría traficar? Es posible que la respuesta sea sí a todas ellas...

Sección Anime. King of Thorn, de Kazuyoshi Katayama (Japón, 2009)

El cuento de la bella durmiente

De la sección anime destacamos esta producción japonesa que, en línea de la gran mayoría de los films que se están proyectando en el festival, nos sitúa en un tiempo cercano, el 2012, en el que un virus apodado "la Medusa" (después de 40 días de incubación -fase I, en doce escasas horas la persona se convierte en piedra) está llevando a la raza humana a la extinción. Un gran laboratorio escoge a ciento sesenta personas en la fase I para disponer de un arca de Noé, y asegurar, a través de la criogenia, que la raza humana no se extinguirá, proporcionándoles, si se encuentra, la cura al virus en los siguientes años...

King of Thorn (Kazuyoshi Katayama, 2009) destaca, sobre todo, por su complejo guión. Mientras el objetivo inicial permanece claro, todo lo sucedido con los personajes principales es un rompecabezas que, siguiendo el son de la trama del cuento de la bella durmiente, nos sumerge en mundos fantásticos propios de la imaginación de un niño, llenos de monstruos y plantas salvajes, en el pasado de alguno de ellos para comprender el presente... una concentración máxima es clave para no perder detalle de lo que está pasando en realidad... ¿cuándo se despertaron los supervivientes, siglos después o sólo horas después? ¿quién sobrevivió? ¿Por qué los monstruos los reconoce un niño como los pertenecientes a un videojuego? ¿Qué pinta en todo esto un castillo con dragón incluido?

Lo dicho, un guión enigmático con continuos giros, al más puro estilo destructivo que, en ocasiones, nos recuerda a Akira, en ocasiones, a Alien. Imprescindible, aunque sólo sea por el debate que puede generar después.


Día 10

Por Arantxa Acosta

10/10/09: Zombieland, Solomon Kane, La horde y Accidents happen


En el penúltimo día del festival nos dedicamos a revisar cine dirigido a un público más amplio y menos exigente: ¡hoy abundan los zombies en la cartelera del Festival! Y es que esta 42ª edición será recordada por encima de todo por centrarse en historias sobre la destrucción del género humano, ya sea por culpa de virus, zombies, zombies que transmiten virus o virus que convierten a las personas en zombies. En definitiva: el Apocalipsis.

Sección Oficial Fantastic Panorama. Zombieland, de Ruben Fleischer (USA, 2009)

Zombie-busters

ZombielandEn el primer plano de Zombieland (Ruben Fleischer, 2009), aparece, ondeante, la bandera americana. Si el título ya nos animaba a pensar que íbamos a encontrarnos ante un film de ficción cómica yankie, en todos sus sentidos (mucho presupuesto, la acción transcurre en EEUU - sí que, por extensión, está pasando en el mundo, bromas estúpidas e incluso escatológicas, héroes y villanos), y que iba a ser bastante simple... hay que reconocer que, aunque sí es simple, el humor está muy conseguido gracias a un guión con bromas fáciles pero sin caer ni en groserías, ni en violencia gratuita, ni nada por el estilo. Quizá sea porque esperábamos menos de ella, pero la verdad es que permite pasar un buen rato, recomendable también para ver en familia.

Mezcla entre los zombies de George A. Romero y el Carriers de los hermanos Pastor, Zombieland nos plantea la posibilidad de que, tal y como pasó con la enfermedad de las vacas locas, pueda llegar a atacarnos una enfermedad contagiosa que nos convierta en zombies. Como las dos antes citadas, el film no plantea especificar cómo empezó todo ni cómo acabará, sino que sitúa a los personajes en pleno conflicto. Y, al igual que las anteriores, nos hace ver qué estaríamos dispuestos a hacer por sobrevivir, siempre con una sonrisa en la cara. A destacar un Woody Harrelson que parece haber encontrado la inspiración para su personaje en la parodia de otros papeles que ha interpretado (como Natural Born Killers o No es país para viejos), y el cameo de Bill Murray interpretándose a sí mismo y reconociendo que, si tuviese que arrepentirse de algo, seria de Garfield.

Sección Oficial Fantastic Panorama. Solomon Kane, de Michael J. Basset (Francia - Reino Unido, 2009)


El malhumorado puritano por fin tiene peli

Solomon KaneEn los últimos años, o por una falta de imaginación o, lo más seguro, por lo rentable que resulta, el número de héroes de cómic que se ha llevado a la gran pantalla ha aumentado exponencialmente. Uno de los últimos, que ha tardado en llegar, es éste (Michael J. Basset, 2009). Seguramente uno de los motivos sea que el personaje principal, a priori, carece de atractivo: un taciturno puritano del siglo XVII, sirviente de Dios, lucha contra las fuerzas del mal, tanto con su espada como con hechizos. No obstante, y al contrario que podía parecer en un principio, las seis historias desarrolladas por el gran Robert E. Howard (creador de Conan) han convertido a este personaje en un verdadero icono con millones de fans.

Con el film, al igual que muchas de las primeras partes (porque no hay duda de que tendremos secuela) de otros como Iron-Man, Spiderman, o Batman Begins, se intenta recrear el origen de este héroe y dar la respuesta al por qué de su cruzada contra el mal: Solomon Kane fue un implacable y despiadado guerrero capaz de hacer cualquier cosa por ganar, y eso le lleva a que el Diablo vuelva a reclamar su alma, según lo establecido (como en Heartless, presentada también en esta edición). Pero Solomon no quiere pagar el precio y se recluye durante un año en un monasterio, donde alcanzará la paz y encontrará el camino a su redención: volver a coger la Espada, esta vez para luchar contra el Diablo y sus secuaces.

Realmente aburrida en un inicio, y en parte por culpa de un uso exagerado de efectos especiales que no le aportan nada a la película (y que volveremos a ver también exagerados al final, pero más justificados), a falta de unos cuarenta minutos del desenlace la trama cobra sentido y se desarrolla con trepidantes escenas de acción que nos vuelven a despertar. A caballo entre la historia de un vengador de la época y de un mundo en el que habitan brujas, hechiceros, zombies (cómo no) y seres tipo orcos, la puesta en escena de este Solomon Kane nos recuerda, por un lado, a un El señor de los Anillos, donde la tierra media es oscura, sucia, y sus personajes más complejos, y a Van Helsing (de hecho, este personaje surgió en comic como imitación al héroe de esta película) Sin duda gustará a amantes del comic y de films de acción gótica, llena de efectos especiales (sean o no indispensables).

Sección Oficial Fantàstic Competición. La horde, de Yannick Dahan y Benjamin Rocher (Francia, 2009)


Cómo rizar el rizo: otra de zombies... pero con aspiraciones

La hordeDespués de las cómicas George A. Romero's Survival of the Dead y Zombieland, nos llega de la mano del país galo una propuesta diferente: un film de zombies, sí... pero seria. ¿Es posible?

Parece que sí. Y se consigue gracias una aproximación distinta al género. Mejor dicho, a la mezcla de géneros. Porque La Horde (Yannick Dahan & Benjamin Rocher, 2009) se inicia como un puro film policíaco (al principio incluso parece que nos hayamos equivocado de sala), en el que un grupo de policías decide tomarse la justicia por su mano y atacar a la banda que ha matado a uno de sus compañeros en el viejo edifico donde éstos se refugian. No obstante, a su llegada se realiza un Twist argumental y a partir de entonces la venganza carece de sentido: la llegada del Apocalipsis, que se proclama al convertir a los seres humanos en zombies, hará que policías y delincuentes hagan un pacto para salir con vida del edificio.

La Horde pretende ser claustrofóbica, angustiante... pero no lo consigue, no engancha. Porque a partir de la entrada en escena de los zombies, toda ella evoluciona igual, con los típicos recursos (a uno le muerden y se convierte en zombie, a otro le matan por revelarse, etc. etc... lo mismo de siempre). Además, no todos los personajes están bien dibujados (únicamente el del malvado y la chica policía tienen una evolución mínimamente consistente... en cualquier otro film de zombies no lo pediríamos, pero sí en uno que pretende darnos algo más), y el del viejo, que al principio cae bien y consigue sacarnos de la monotonía de la persecución, acaba siendo demasiado pesado.

Hacia la mitad del film, la acción coge más ritmo, pero quizá sea demasiado tarde para reengancharnos. No obstante, sí que tiene algunas escenas destacables, como la de la chica -zombie a la que unos cuantos del grupo empiezan a torturar ("en la guerra todo vale", dice el viejo en una de las escenas; otra alusión al horror de la guerra y a lo que es capaz de llegar el ser humano, como se representa también en varios films de los comentados) y la final, en la que la crudeza del inicio vuelve a parecer y nos recuerda cómo había empezado todo... como un thriller policiaco.

Sección Oficial Fantàstic Competición. Accidents happen, de Andrew Lancaster (Australia, Reino Unido, 2009)


"Cuando Dios cierra una puerta, abre una cerveza"

Accidents happenY qué razón tiene la protagonista del film al decirlo, a juzgar por la visión del mundo que nos muestra Andrew Lancaster en esta su Accidents Happen.

Y es que, simplemente, podemos pensar que los accidentes, pasan. O no. Pero, en cualquier caso, no hay que esconderse ante la tragedia, hay que seguir adelante, pase lo que pase. Este parece ser el mensaje clave de una historia que, aunque se inicia como una comedia negra al más puro estilo A dos metros bajo tierra  (recordemos que cada capítulo se iniciaba con la escenificación de una muerte, a cual más peculiar) con la muerte del vecino quemado por culpa de la barbacoa del jardín, pasa enseguida a convertirse en un melodrama que nos evoca y hace pensar, tanto por la forma de avanzar como por la estética conseguida, en que parece que estamos ante un episodio largo y triste de Aquellos maravillosos años. El film aprueba, pero hay que estar preparado para saber qué vamos a ver porque, sinceramente, no entendemos qué pinta en el Festival, y menos en la sección de competición.


Día 11

Por Arantxa Acosta

11/10/09: Clausura

El festival se despide con un cóctel de sorpresas: Finalmente, conocemos varios de los mejores films que podrán verse en la cartelera, algunos ya a partir del mes que viene, como es la esperadísima segunda parte de Millennium, adaptación del best-seller de Stieg Larsson, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina.

Para los más nostálgicos, y dentro de la sección Sitges Clàssics, se proyecta Cazafantasmas, film que, pese a ser rodado en 1984, sigue siendo de rabiosa actualidad dentro del género, y también sigue sorprendiéndonos tanto a los más mayores como a los jóvenes que ahora pueden descubrirla (y si no, que se lo digan a la chica de Zombieland...).

Por último, otra de las grandes (des)venturas de Terry Gillian: la esperadísima The Imaginarium of Dr. Parnassus, film póstumo del malogrado Heath Ledger, que dejó huérfana la bandera de toda una generación de nuevos actores. El director, al igual que con muchos otros films (sólo hace falta recordar su fallido intento de llevar a la gran pantalla El Quijote, que iba a ser protagonizada por Johnny Depp), superó el contratiempo variando el guión original para que el papel de Heath puediese ser interpretado por varios actores (Jude Law, Colin Farrell y el siempre infalible Johnny Depp), rindiéndole así un homenaje y, cómo no, finalizando por fin una historia muy personal que desborda imaginación por los cuatro costados.

El colofón final de este festival marcado por films apocalípticos no podía terminar sin incluir en la programación The road (John Hillcoat, 2009).


The Road, de John Hillcoat (USA, 2009)

Siempre hay esperanza

The roadLa historia de The Road, adaptación fiel de la novela de Cormac McCarthy -ganador del premio Pulitzer 2007- con igual título, nos muestra a un padre y su hijo que viajan, siguiendo la ruta hacia el sur marcada por un antiguo mapa, por un mundo post-apocalíptico que desde hace diez años está muriendo poco a poco... igual que sus habitantes.

El film nos muestra una situación aterradora pero muy humana: los hombres se han dividido entre los malos, caníbales y ladrones, y los buenos -que escasean- como el hombre y el chico, que recorren la carretera en una búsqueda continua de comida y refugio para sobrevivir. Y es que, como sintetiza Viggo Mortensen, "tenemos elección. La compasión, el amor. O el miedo, el odio".

Aterradora porque nos damos cuenta de que es una visión de un futuro que se nos puede antojar demasiado realista: sin zombies, sin virus letales... únicamente la certeza de que podemos llegar a ese paisaje y ese comportamiento, si no hacemos caso a las señales que nos envía la Tierra (como dijo John Hillcoat durante la rueda de prensa, "hasta ahora hemos estado viviendo en una burbuja. El cambio climático nos está haciendo ser más conscientes"). Pero hay esperanza. O al menos eso es lo que se nos quiere hacer ver. Y quizá esa sea la parte que menos cuadre en la película... aunque se agradece un rayo de luz en medio de tanta desesperación.

En definitiva, una película a caballo entre la ciencia ficción y el western (eso sí, ¡muy diferente a la de Romero!) de obligado visionado, lleno de paisajes y personajes deprimentes pero, a la vez, hermosos... y no, no es una contradicción. El director ha conseguido plasmar el alma de la novela, de forma pausada pero eficaz, acompañando a esta pequeña familia en sus -pocas- alegrías (como encontrar un refugio nuclear lleno de comida) e infortunios, haciéndolos sentir como propias vivencias. Si a esto le sumamos una banda sonora sombría pero discreta (no en vano está firmada por Nick Cave, que ya trabajó con el director en The proposition) que acompaña en todo momento a este film tan atroz... el éxito está asegurado.


Palmarés

¡Ah! El palmarés final no dio grandes sorpresas, y aunque algunas de las decisiones fueron altamente criticadas cuando fueron anunciadas por el jurado, el éxito sin precedentes, lo consiguió uno de los films que más nos gustó en EL ESPECTADOR IMAGINARIO: Moon, la primera película de Duncan Jones, consiguió el premio a la mejor película, mejor actor, mejor guión original y mejor dirección artística. Realmente, se lo merece.

Para conocer el palmarés completo, te animamos que visites la página oficial del Festival.

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