Bone Tomahawk

Los tomahawks son armas arrojadizas con forma de hacha que los indios nativos de Norteamérica utilizaban en enfrentamientos cuerpo a cuerpo. Herramientas que S. Craig Zhaler utiliza desde el título de su primer largometraje como emblema de la naturaleza indómita del Oeste norteamericano en confrontación con la civilización aledaña a aquellos parajes inhóspitos.

En Bright Hope aparece un forastero con dudosas intenciones. Tras un pequeño altercado en la taberna del lugar, resulta herido. Samantha O’Dwyer (Lili Simmons), la médico del poblado, acude a la comisaría donde permanece retenido el foráneo, para curar sus heridas. Durante la noche, unos intrusos irrumpen y secuestran a ambos. Los cuatro hombres que se han visto involucrados en el incidente: el Sheriff Franklin Hunt (Kurt Russel), Arthur O’Dwyer (Patrick Wilson), John Brooder (Matthew Fox) y Chicory (Richard Jenkins), forman una comitiva para lograr rescatar a Samantha.

Bone Tomahawk bien podría parecer la adaptación de una novela de Joe R. Lansdale, sin embargo, se trata de un guion escrito en tan solo un mes por el mismo Zhaler, quien además cuenta en su haber con otros cinco westerns como parte de su trayectoria como novelista. Estamos ante un trabajo en el que Zahler depura sus influencias pulps y revitaliza los subgéneros de “extraño Oeste”, cuyas primeras muestras se remontan a la etapa de cine mudo con Haunted Range (1926) y el “mundo perdido”, que toma como paradigma la novela Las minas del Rey Salomón que Henry Rider Haggard escribió en 1885.

Zhaler se sumerge en esas noches de oscuridad plena a la intemperie y en los días brillantes a golpe de cabalgada tan característicos. Sus personajes están adscritos a los caracteres hoscos que habitan las tierras áridas de los primeros pobladores en la expansión de la frontera, donde el sheriff es la figura clave de pleno derecho, que con su autoridad, hace cumplir la ley. Kurt Russell, a quien pronto volveremos a ver en el mismo rol en el próximo trabajo de Tarantino, Hatefull Eight, realiza una magnífica interpretación y forma parte de la lista de actores con los que cuenta el film, reconocidos por haber aparecido en grandes éxitos de los ochenta: Sean Young (Blade Runner, Ridley Scott, 1982), James Tolkan (Regreso al futuro, Robert Zemeckis, 1985) y Michael Paré (Calles de fuego, Walter Hill, 1984).

Bone Tomahawk cumple con la tradicional asunción del rol masculino protagónico, tan habitual dentro del género. La comisión varonil que emprende la misión heroica de rescate, es conocedora del peligro que representan los enemigos a los que van a tener que hacer frente. Samantha, la mujer médico, que en la premisa se nos muestra como una figura de gran importancia social, imprescindible para el bienestar y prosperidad del poblado, pasa a un segundo término y no solo se convierte en mero accesorio, causa y finalidad de la misión, sino en víctima. Sin embargo, a pesar de este anquilosado rol de géneros, existe una notable presencia de matices con cierto aire de romanticismo en lo que respecta a la relación que todos los hombres mantienen con sus mujeres. Zhaler proporciona espacio al plano íntimo y sentimental de pareja, en el que ambos miembros están en una misma posición, de manera que el hombre también demuestra sus sentimientos y se rinde ante sus debilidades y necesidad de amar. Este amor funciona como catalizador de las motivaciones para afrontar los peligros y también, en forma de recuerdo siempre presente, como alivio cuando las heridas de la batalla acercan la muerte.

Zhaler sustituye a los amerindios por trogloditas caníbales que viven en cuevas, casi los mismos que Wes Carven había retratado en Las colinas tienen ojos (1977). Este grupo de salvajes sin escrúpulos es la vía por la que el film, en su segundo acto, se lanza a un arriesgado cruce de géneros. El cambio de tono es paulatino y está favorecido por un humor negro incisivo y diálogos cáusticos muy al estilo tarantiniano, que recuerda especialmente a Django desencadenado (2012). El terror se hace evidente cuando la violencia se impone, la cual se intensifica de manera gradual, hasta que se torna explícita y directa. Zhaler no disimula su principal influencia de uno de los máximos iconos de cine giallo, Lucio Fulchi, en el modo vehemente de mostrar la violencia y la crueldad a la que sus personajes son sometidos. El realizador americano no reprime su lado más visceral y retrata un descenso a los infiernos, que pretende aliviar con una nota final que proporciona cierto aire de optimismo. Porque incluso en el Oeste más salvaje, en las peores circunstancias, el amor siempre triunfa.

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