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El alto nivel de indigencia en México, combinado con las deficiencias en lo que respecta a los servicios médicos (falta de habitaciones, médicos, medicinas, donantes, entre otros), ha llevado a una serie de reflexiones en torno a lo desprotegidos que están todos aquellos que viven en las calles y que pueden ser víctimas del tráfico de órganos.

Michel Franco ha decidido mostrar esta realidad, dirigiendo esta cinta en HD, al lado de su hermana Victoria, quien se ha encargado de documentar la realidad de las calles, el trabajo social y las acciones que toma Casa Alianza, una institución con más veinte años de experiencia en el apoyo a la gente que vive en condiciones de calle.

El director ha mezclado fragmentos documentados por su hermana con una historia de ficción que retrata la vida de Mónica (una trabajadora social), que debe enfrentar una compleja enfermedad que su hijo de nueve años tiene, y que requiere de un inmediato trasplante de órganos.

Los Franco han optado por hacer una película realista, sencilla en forma, sin guion, y cuyas deficiencias se compensan con la brutalidad del tema retratado.

Dicen que el amor entra por el estómago. Hay múltiples películas que hablan sobre la importancia de la comida en las relaciones, y sobre todo, acerca de los sabores para transformar la percepción. Así, esta pieza -ópera prima- de Ritesh Batra muestra cómo dos personajes completamente diferentes y sin vínculos (aparentes) se unen a través de una lonchera que contiene no sólo las recetas más especiales, llenas de sazón y amor, sino las notas más íntimas y personales de ambos personajes.

Ila y Saajan comienzan una relación afectiva basada en todo aquello que no pueden compartir con nadie más, y que al parecer nadie más comprendería. Batra no sólo retrata la importancia de la comunicación y el amor, y de la comida como un medio para crear familia y vínculos, sino que muestra uno de los más emblemáticos servicios de India, la entrega del almuerzo a través del sistema de los Dabbawallahs, cuya precisión es inequívoca (aunque en la película se muestre lo contrario).

La nueva película de Michel Gondry está basada en la novela existencialista y poética La espuma de los días, de Boris Vian. Tras La Ciencia del Sueño, que dista mucho de su memorable Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), el director francés comenzó una continua exploración de la animación y experimentación (que ya había mostrado en sus videoclips y comerciales).

Ahora con Mood Indigo, vuelve a hacer uso de detalles animados, pero lamentablemente lo utiliza en demasía, generando una película pretenciosa y cansada a la vista, llena de detalles que no contribuyen en mucho a la historia, y que –lejos de eso- abruman al espectador. Todo queda en segundo plano, excepto la forma de cada milimétrico objeto que se alcanza a percibir en la pantalla.

Ni qué decir de la actuación de Tautou o Duris, cuando realmente nada de la historia importa, siendo que ésta retrata debates tan trascendentales como el amor, la enfermedad, la muerte y el dinero.

La reciente película ganadora de la Palma de Oro llega a las salas de México tras una serie de polémicas que parecen interminables. Basada en la novela gráfica homónima de  Julie Maroh, la cinta narra la vida de Adele, una chica que está en preparatoria y que descubre su homosexualidad al tiempo que conoce al amor de su vida: Emma.

La cinta, de casi tres horas de duración, ha despertado una serie de comentarios y descontentos en torno a sus escenas de sexo, que resultan explícitas y largas, contrastando con la decisión de narrar todo a través de close ups que dejan ver aún más allá de las aparentes emociones de los personajes, sobre todo de Adele, que es quien lleva la línea narrativa.

A pesar de los comentarios y las quejas de todos –las actrices, la autora y las instituciones- La vie D’Adele es una pieza que habla sobre el amor y la pérdida, sin importar la sexualidad ni la orientación de sus personajes. La vida se percibe intensamente y, día a día, el ser humano se descubre y redescubre, y eso es lo que Kechiche retrata en su película.

Es una historia de amor y desamor, de crecimiento y madurez, de una relación de pareja que -como todas- tiene altibajos, y se defiende en medio del vertiginoso mundo del siglo veintiuno, que no deja ni percibir la calidez de los colores ni los milagros de la existencia misma.

La última película de Noemie Lvovsky es sobre Camille, una actriz que está en el peor momento de su vida, hundida en el alcoholismo, con una relación colapsada con su esposo, prácticamente sin trabajo y con una terrible depresión. En medio de todo eso, por alguna mágica razón, viaja al pasado (con su cuerpo y experiencias actuales) para entrar nuevamente en la escuela preparatoria, vivir con sus padres y revivir una serie de experiencias de su juventud.

El remake de la cinta Peggy Sue Got Married, de Francis Ford Coppola, es una revisión a la francesa, sin mayor innovación, pero desde la aproximación de la juventud francesa en los ochenta, que es una época muy distinta, cultural e históricamente hablando, a la de la versión original.

El ex director del Festival de Cine de San Sebastián es un asiduo cinéfilo, que en esta ocasión se ha encargado de hacer un documental que es más bien una revisión de la percepción de la mujer, a través del cine español, por más de setenta años. Con material de archivo de más de cincuenta películas, Galán hace un recorrido didáctico (por medio del guion que él mismo escribió) sobre la mujer como símbolo y objeto de deseo, mostrándola en distintas facetas.

Independientemente de la percepción final que tenga el espectador de la cinta, como documento y antología es muy valiosa, porque recupera una serie de títulos, tanto de cine comercial como de arte y de serie B, en los que el único tema común es la mujer como madre, amiga, hermana, objeto, objeto sexual, objeto de deseo, blanco de violencia o monja.

La ópera prima de Joseph Gordon-Levitt ha sido bien recibida por el público y la crítica. Retrata a un joven católico ítalo-americano, apodado Don Jon (por sus continuas conquistas), que tiene una debilidad por el porno. Su rutinaria vida le demanda ciertas obligaciones: ir a misa los domingos, el gimnasio diario, la fiesta de fin de semana y su cita obligada con la computadora.

Al conocer a Barbara (Johansson) siente que ha encontrado al amor de su vida, sin embargo esto no logra que él se aleje de su adicción. Conocerá entonces a Esther (Moore) una mujer madura que estudia con él y que le dará la mayor lección de su vida.

Gordon-Levitt se estrena con una cinta que tiene una anécdota simple, pero cuya moraleja sobre el amor es honesta y sin pretensiones. Para contar la historia utiliza la rutina como el leit motif, y son los cambios en ésta (tanto en los personajes como en la forma fílmica) lo que muestra la verdadera transformación de los personajes.

El Santo es una de las figuras más emblemáticas de la cultura popular mexicana del siglo veinte. El Santo no es sólo un digno y famoso representante de la lucha libre mexicana, sino que además es un héroe nacional y una estrella de cine. Con motivo del aniversario de su natalicio, se ha realizado este documental que relata parte de la historia del personaje, pero sobre todo de su hijo luchador (uno de los diez que tuvo) llamado “El hijo del Santo”.

Realizada por Gabriela Obregón y producida por la manager y esposa de Jorge Guzmán (El hijo del Santo), la película muestra material de archivo del luchador, y recopila entrevistas y comentarios de la gente más cercana a ambos luchadores.

Sobre todo para los amantes de la lucha libre y para los fans de ambos personajes, este documento, seguro, significará noventa minutos de entretenimiento puro y de historia.

El racismo en los Estados Unidos ha sido un tema que parece de nunca terminar. Sin embargo, en su historia, la comunidad afroamericana ha logrado superar las barreras del color para poder llevar una vida plena y vivir su sueño americano de libertad; para llegar a ésta, generaciones enteras han tenido que padecer el sufrimiento, la sangre, el dolor y la injusticia.

En la película de Lee Daniels el tema central es la historia de la evolución social de esta comunidad, pero contada a través de la vida de Eugene Allen, un hombre que fue mayordomo de la Casa Blanca durante más de treinta años y que creó un referente de servicio inigualable. Su participación en la vida política se limitaba al servir a los presidentes, pero –según la versión de Daniels- fue fundamental para la toma de múltiples decisiones en momentos decisivos de transición.

Es una gran producción, con una ambientación que abarca tres décadas, y con un reparto muy amplio; sin embargo, no toca fibras tan sensibles como lo hizo con Precious (2009), y se queda más bien como en un retrato amargo, aunque superficial, de los terribles momentos que han vivido los afroamericanos a lo largo de su historia.

En medio de la vorágine que Gravity (Alfonso Cuarón) está causando, seguramente comenzarán a brotar películas sobre el espacio, astronautas y misiones complicadas. Europa Report es una austera cinta sobre la misión espacial Europa que ha ido a una luna de Júpiter a explorar, en busca de rastros de organismos vivos.

La cinta de Sebastián Cordero apela a la conciencia del trabajo en equipo y de la trascendencia de una misión, en donde todos los personajes saben que tienen un deber y deben terminar aquello que empezaron sin importar el resultado final.

Europa Report es una película intensa por su trama, hecha enteramente en un set con ocho cámaras fijas, lo que provoca la sensación claustrofóbica y la búsqueda del plano teatral de todos los actores que se hallaron encerrados en la nave durante todo el tiempo de la filmación.

Un par de amigas, distanciadas desde hace años, se reencuentran en circunstancias en las que una necesita a la otra. John Sayles, el reconocido guionista y director independiente, es quien orquesta la narrativa de esta historia en la que una madre (Bernice) busca a su hijo con la ayuda de su mejor amiga (Fontayne) y de un ex detective, interpretado por un simpático y emblemático Edward James Olmos.

La cinta, que fue rodada en dieciocho días y más de sesenta locaciones,  logra mantener la atención durante todo el metraje, sin dejar de lado detalles graciosos sin engancharse con la comedia, los diálogos frescos y atinados y las actuaciones de los tres personajes principales, que viven una serie de enredos, en los que emerge nuevamente el cariño y respeto entre ellos.

Además, goza de momentos de tensión que hacen que avance paulatinamente la historia, sin dejar de emocionar al público. Es una combinación entre una roadmovie y una película de suspenso y crimen.

González es un hombre joven, que no hace más que evadir su realidad y añorar un futuro prometedor que es probable que nunca llegue. Sin embargo, un día toma un empleo en una Iglesia, y mientras contesta llamadas de auxilio de gente desesperada,  descubrirá su vocación primigenia, que lo llevará al límite de la cordura. González es como cualquier otro individuo que piensa que la vida debe ser resuelta fácilmente, y que hay algo especial en él que todos deben observar y valorar. La mezcla de esta realidad común, junto con la forma en la que Díaz Pardo va presentando el fenómeno de las pseudo-iglesias que calman el dolor a cambio de dinero, es lo vuelve a González una película entretenida e interesante pero con final retorcido, que deja claro cuál es el camino a seguir.

Díaz Pardo ha elegido un casting que sostiene toda la película, con Harold Torres (Norteado, Rigoberto Pérezcano, 2009) y Carlos Bardem, quienes además ganaron ex aequo el Premio al Mejor Actor de la 11ª edición del Festival de Cine de Morelia.

Después de películas como True Grit (2010), No Country for Old Men (2007) o su emblemática Fargo (1996), Inside Llewyn Davis parece más bien una obra menor de los hermanos Coen, que no pasa de contar un momento minúsculo en la vida de un incipiente músico, llamado Llewyn Davis.

Narrada a través de un largo flashback, Davis trata de buscar sentido en su vida a través de consolidarse como un cantautor de folk reconocido, pero sin lograrlo, dado que todo lo que toca lo destruye.

La cinta está muy volcada a la música, por lo que parece más bien un homenaje a todos esos intérpretes que han tratado de defender sus ideales y sus creencias a través de una música que nadie escucha y nadie reclama. Como siempre, los Coen entregan una película pulcra en su forma, llena de chistes personales (como el cabello del personaje, sus vicios, sus actores de cabecera) y con la creación de expectativas ante la simpleza de la vida. Sin embargo, a diferencia de otras de sus cintas, esta parece no llegar, sino al mismo lugar en donde empezó, tal vez como símbolo de la frustración del personaje.

Después de su postal italiana A Roma con Amor, Allen crea un drama sarcástico en el que ha repartido su personalidad (característica de todas sus películas) en todos los personajes, llenos de dudas, existencialistas y nerviosos. Jasmine (Blanchett) es una mujer que se nutre del glamour y que goza de una posición social alta, gracias a su marido (Baldwin), hombre de negocios. Sin embargo, repentinamente Jasmine pierde todo y debe resguardarse temporalmente en casa de su hermana Ginger, que vive en San Francisco.

El drama que Allen desarrolla versa sobre los vínculos afectivos, la necesidad del status y sobre todo, las apariencias. Jasmine tiene que tratar de mantener su vida tal como la ha imaginado pero su inmutabilidad se verá tambaleada ante la realidad de su incompetencia, hasta hacerla dudar de su propia cordura.

Allen se aleja un poco de sus películas de anécdotas llenas de chistes intelectuales, para adentrarse en una tragedia agridulce que refleja uno de los grandes temas de la sociedad: el status quo.

François Ozon es tan versátil que en cada nueva película toca un tema completamente distinto al anterior. En el caso de Joven y Bella, se ha alejado del thriller psicológico de Dans la Maison (2012), para retomar un tema que ligeramente exploró en el cortometraje Truth or dare (1994), donde habla sobre la madurez y la búsqueda de uno mismo.

Isabelle es una joven de diecisiete años que un día descubre que ella se está transformando, y con esto se halla deslumbrada por la intensidad del sexo y la ansiedad de lo prohibido. Así va madurando, a la par que elige la prostitución como una forma de vida, no por una razón económica y social, sino personal.

Ozon –como siempre- muestra a un personaje muy complejo que no es más que un ser humano que está buscando su propia identidad y su razón de ser en la vida.

Hablar del cine de Alejandro Jodorowsky es como hacer un viaje al subconsciente, en donde realmente cualquier cosa es posible en la pantalla. Esta vez, después de más de veinte años sin dirigir, regresa el realizador chileno con una película autobiográfica, titulada La danza de la realidad, basada en su novela homónima, en donde sus tres hijos han participado en todas las áreas (producción, música e interpretación, entre otros).

Como en cada cinta de este autor, en esta también hay poesía, evocaciones estéticas y oníricas, “freaks”, psicomagia, rituales, reflexiones y todo el misticismo que Jodorowsky insiste en mostrar en pantalla como una forma de catarsis para el espectador.

En Cannes fue exhibida junto al documental Jorodowsky’s Dune (Frank Pavich, 2013), por lo que parece que el director está en su mejor momento, gozando de una salud envidiable, con 84 años y un renacimiento en el ámbito cinematográfico que sólo le ha valido palmas.

En la película, su hijo Brontis representa a Jaime Jodorowsky, el padre del cineasta y ha sido filmada en su natal Tocopilla, Chile. Si bien es tan fantástica como sus anteriores películas, La danza de la realidad acerca al público a las primeras etapas de la vida del director, desde un plano irreal, pero comprensible y entrañable. Es posible identificar las emociones del personaje; las posibilidades de creer en sus formas de solucionar los problemas y sanar las emociones parecen tan reales y tan mágicas, que la psicomagia se ve aún más cercana que antes.

La migración es un fenómeno social que existe desde tiempos inmemoriales. Las movilizaciones son algo cotidiano y necesario. Sin embargo, en los últimos años, el fenómeno se ha transformado en una problemática, debido a las leyes que se aplican y los lineamientos que deben seguir las personas para poder comenzar a vivir en otro lugar.

El sueño americano ha sido la aspiración de millones de personas, y alcanzarlo es un motivo de lucha. Así, gente de toda América (y el mundo en general) ha persistido contra viento y marea, por cielo, mar y tierra para llegar a los Estados Unidos. Así, en La jaula de oro, el director español Diego Quemada-Diez retrata el camino que tres jóvenes sudamericanos tienen que recorrer para llegar a Los Ángeles.

Con una visión realista, pero estética y detallada, se retrata la aventura –muy desafortunada- de los tres chicos, que rompen la barrera del idioma, mientras crece su necesidad de llegar al lugar de sus sueños, pero preservando la hermandad que se ha creado con el tiempo y los golpes, mientras se  alimentan por el sueño de llegar a su destino con vida.

La cinta que ganó el premio a la mejor ópera prima mexicana en el Festival de Morelia, ha estado ya en Cannes y estará en competencia para los Goya y los Óscares del próximo año.

Radio Francia es más que un edificio enorme, es veinticuatro horas de transmisión ininterrumpida, es información, es música, es pensamiento, pero, sobre todo, es toda la gente que ahí trabaja y que forma parte de la gran comunidad francesa que se alimenta diariamente de lo que escucha por la estación.

Phillibert que ya tiene una amplia trayectoria en la realización documental, ha registrado –en esta película- la vida de los pasillos de la estación, con su ya probada técnica de documentación, en la que muestra pequeños fragmentos de cada segmento que llama su atención, para que el espectador construya la historia que más le apetezca, pero siempre delimitando su campo de visión, para obtener una lectura conjunta.

La Maison de la Radio (como los locales apodan al edificio) es un lugar lleno de opiniones y arte, plagado de retos e intensidad, que refleja a una sociedad y su idiosincracia.

Las familias fragmentadas y disfuncionales son, recientemente, un tema recurrente en el cine. El año pasado hubo una película de temática casi idéntica a La vida después, titulada Las lágrimas (Pablo Delgado, 2013). En ambas historias, una madre con problemas severos de depresión ha perdido el sentido de su vida y se ha alejado de sus dos hijos.

Samuel y Rodrigo comienzan un recorrido el busca de su madre que se ha ido de la casa y mientras recorren kilómetros irán descubriendo aquello que los une y los separa a la vez. La vida se hereda, pero muchas veces el ser humano trata de buscar caminos distintos a los que parece que son los únicos y predeterminados.

David Pablos utiliza la fórmula del roadtrip como excusa para contar su historia, y muestra paisajes del norte del país, en donde no hay más que extensiones largas de tierra y pequeñas poblaciones. Mientras los personajes hacen el recorrido, nada más parece suceder, convirtiendo a la película en una historia más bien reflexiva que no emocionante.

Claudia es una chica solitaria que un día se topa con Martha, una mujer enferma de sida en etapa terminal, que tiene cuatro hijos. Poco a poco, Claudia va entrando en la vida de los cinco personajes, hasta que se vuelve parte fundamental de la familia.

Basada en hechos de la vida de la directora, cuyo personaje es representado por Ximena Ayala (Perfume de Violetas, Marisa Sistach, 2001), Los insólitos peces gato es –una vez más- una aproximación a la vida familiar del siglo veintiuno, pero lejos de dejar a la familia en un ámbito de desgracia e incomprensión, Sainte-Luce demuestra que los vínculos afectivos sobrepasan todas las barreras.

Esta película, que ha causado expectativa y se ha presentado ya en varios festivales importantes como el de Lorcano o Toronto, llegó a Morelia generando revuelo, sobre todo después de ver la forma en la que la directora ha sido cuidadosa con sus actores y ha logrado explorar sentimientos y emociones de una forma auténtica y honesta, a través del detalle, con sus personajes y su guion.

Fernando García, también conocido como “Pinolito” es un actor infantil mexicano, que sevdesempeñó tanto en el cine como en el cabaret. Hijo de la actriz Lilia Ortega, en años recientes asumió su cambio de identidad, convirtiéndose en una mujer llamada Coral Bonelli.

En el documental de Roberto Fiesco es posible ver a Coral y a Lilia añorando su pasado y enfrentando su crudo presente, lleno de limitaciones, carencias y prejuicios, sobre todo en lo que a la sexualidad de Fernando se refiere.

Fiesco ha logrado una narrativa envolvente que acompaña al ritmo de la música de Raphael, que representa el pasado, presente y futuro de Coral, quien puede interpretarlo excepcionalmente, mientras vive su realidad día a día.

Este es un remake de una reciente película mexicana de Jorge Michel, que habla sobre el canibalismo en el siglo veintiuno. La adaptación que ha hecho Mickle de la cinta la ha convertido en una historia mucho más interesante y con más profundidad que ayuda a la comprensión de los motivos de los personajes.

Esta versión es mucho más literal y retrata la vida de una familia que vive en un pueblo de los Estados Unidos y que, año a año, hace un ritual en el que comen carne humana, ocasionando una serie de desapariciones en el pueblo y zonas aledañas; esto convierte a la película es un thriller y en una película de suspenso, cuando en su origen era más bien una reflexión sobre la sociedad y la forma en la que es más evidente el “canibalismo social”, en el que todas las personas están inmersas, y por el cual sólo sobrevive el más fuerte.

Además del guion que ha dado otro volumen a la película, el casting, sobre todo en la selección de las dos hijas de la familia, le da una atmósfera que se pandea entre la inocencia y la demencia.

Mari Pepa es una banda de punk-rock de cinco jóvenes mexicanos, y también era el título de un cortometraje dirigido por Kishi Leopo con el que ganó varios premios nacionales e internacionales. De la sencilla anécdota de Alex –el guitarrista- y la relación con su abuela emerge este largometraje, que retrata la relación de los jóvenes de la banda y la manera en la viven sus respectivas realidades.

Somos Mari Pepa es la ópera prima de Samuel Kishi y tiene dos virtudes: el interesante manejo del punto de vista de los personajes, a través de la utilización de recursos de grabación alternativos –como una cámara de fotos-, y la sencilla historia que aborda un tema mucho más complejo –sin pretensiones- como el desarrollo de la juventud en una ciudad de provincia grande como lo es Guadalajara (Jalisco, México), en la que la amistad se traduce en lazos inquebrantables.

Con casi tres horas de metraje, The Act of Killing es un documento inaudito que registra el pensamiento de algunos de los más importantes representantes de toda una época de genocidios en Indonesia por el temor (y el odio) hacia el comunismo.

Oppenheimer, Cynn y un realizador anónimo, han pedido a estos ex paramilitares que hagan una película sobre su historia y cómo llevaban a cabo sus “hazañas” y aventuras. Los personajes (que son totalmente reales aunque parezcan salidos de la más terrible ficción) ponen manos a la obra y comienzan a grabar su película, mientras declaran sus percepciones, sus ambiciones, frustraciones y deseos al momento de cometer los crímenes y la manera en la que desean mostrarlos al mundo.

La película no tiene precedente alguno por su crudeza, y muestra una evolución en el pensamiento de algunos de los personajes que, poco a poco, irán cayendo en cuenta de su propia historia. Mientras tanto, imágenes surreales inundan la pantalla, a través de las representaciones, las visiones y las coreografías que orquestan los protagonistas, mientras contraponen esas idílicas imágenes con la más cruda representación de un saqueo y una muerte con alambre.

Definitivamente, es un documental honesto y crudo, que debe conducir a la reflexión con respecto al mundo en el que vivimos y lo que permitimos que suceda en él.

El esteta Wong Kar-Wai ha elegido una nueva historia de amor, que ya no solo retrata aquel amor entre un hombre y una mujer, sino un amor más complejo, como el que profesa un hombre por su honor, por su disciplina y por el legado de sus ancestros.

La compleja película que ha desarrollado Wong retrata a un país entero en medio de la invasión japonesa, mientras grandes maestros defienden sus tradiciones en las artes marciales (Kung-Fu). Llena de planos en cámara lenta, con escenas impresionantes de peleas en medio de la lluvia y gran erotismo en los enfrentamientos entre algunos de los personajes, The Grandmaster es una cinta que resulta un poco más complicada de comprender en su totalidad si el referente histórico no es claro para el espectador. No obstante, la belleza de la película puede que baste para apreciarse. Aquí la crítica de la película.