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Si hay algo que no le falta a esta historia es ritmo. Desde la primera escena, cuando una madre nerviosa sale a la calle con su bebé que no para de llorar, seguido de una bombita de agua que cae desde el balcón, empapando al bebé en su cochecito. El culpable es Tomás, un adolescente conflictivo, al que luego de este incidente, su madre lo manda a vivir con su hermano Sombra, que está estudiando en la ciudad de México DF.

El apartamento que Sombra comparte con su amigo Santos es de un desorden total; los estudiantes están de huelga en huelga, ocupando la Universidad Nacional de México. En este ambiente de caos, Tomás termina conduciendo a los dos amigos por un viaje en búsqueda de Epigmenio Cruz, una leyenda del rock nacional venida a menos.

El film es una road movie sin salir de México DF, lo cual nos muestra la complejidad y recovecos con los que cuenta esta gran ciudad. Cuando al final de la proyección, en Berlín, le preguntaron al director por qué decidió filmar la película enteramente en blanco y negro, una de las razones fue el querer darle al espectador la oportunidad de completar los colores de la ciudad. Fue una buena decisión el no intensificar la película con colores variados, ya que el sonido, estridente por momentos, y la cámara, que se mueve a gran velocidad, le dan al espectador una buena cuota de agresividad.

Este es el primer largometraje del joven director mexicano, quien sin disponer de demasiados recursos económicos filmó esta película con amigos y con su esposa en el rol femenino principal. Esta interacción entre los actores se nota y le da una atmósfera de naturalidad y frescura difícil de lograr. El film se llevó el Best First Feature Award, en dónde participaron 18 películas de las distintas secciones del festival de Berlín. Este premio lo otorga GWFF, asociación dedicada a los derechos del cine y la televisión, y consiste en €50.000 para el director y el productor.

Güeros, a pesar que intenta ambientarse en el año 1999, cuando sucedieron hechos similares en la Universidad, indaga sobre problemáticas actuales de los jóvenes. Se habla de sus sueños, ansiedades, ideales, su soledad, y también sobre qué lugar tiene el amor en sus vidas.

Con más de 330.000 tickets vendidos en 2014, está claro que el Festival de Berlín logra atraer a todo tipo de público. Entre la gran diversidad de propósitos que tiene, se encuentra el de ser vitrina del actual cine alemán. La sección más importante es Perspektive Deutsches Kino, que muestra las tendencias temáticas y artísticas de la nueva generación de realizadores alemanes. También existe la sección LOLA@Berlinale, en donde se presentan films que compiten por el premio de la Academia del Film Alemán (al cuál se lo conoce como LOLA).

Tomado al azar, I Feel Like Disco, como un representante de la sección LOLA@Berlinale, esta comedia dramática ambientada en Berlín nos deja con claros deseos de ver más y entender las temáticas que están presentes en los actuales directores alemanes.

I Feel Like Disco es la historia de Flori, un adolescente con una imaginación desbordante que pierde la adorada compañía de su madre de un día para el otro. Este hecho repentino lo deja solo en compañía de su padre, Hanno, con el cual tiene una relación bastante difícil. Hanno no comprende por qué su hijo no tiene interés por los deportes, las motos ni las chicas. No obstante, en esta nueva convivencia, el padre hace el esfuerzo por acercarse a su hijo, para aprender a tolerarse, quererse y entenderse.

Es una de las varias películas del festival que trata el tema del despertar sexual adolescente, y como en la mayoría de los casos representados, del despertar homosexual. Flori debe sobrellevar desengaños amorosos que lo hacen crecer y madurar, mientras intenta despegarse de su madre.

El conector de la historia entre Florian, Hanno y la madre Monika es el cantante alemán Christian Steiffen. A pesar que su música y estilo parecieran estar congelados en los años setenta, en pleno apogeo de la música disco, Steiffen es un artista muy activo que ofrece conciertos, lanza nuevos álbumes y participa actualmente en cine y en teatro.

Este film logra conmover mostrando intimidades de una familia, con situaciones y problemas cotidianos que nos afectan a todos. Nos recuerda, sin caer en la tragedia, que los seres queridos pueden dejarnos en cualquier momento, y nos invita a que los valoremos, demostrándoles cuán importante son para nosotros.

El tono cómico y surrealista se logra mezclando hábilmente la imaginación de Flori con la realidad de la familia. También genera risas de una forma inteligente, en particular ridiculizando a la figura de un padre que adora incondicionalmente a su familia, pero le cuesta muchísimo expresarlo.

Una de las películas con mejor reacción del público en el Festival de Berlín, debido a que se trata de una comedia inteligente. No es habitual ver comedias en la selección oficial, por eso se valoran tanto cuando se puede intercalar alguna entre tantos dramas.

Stellan Skarsgård tiene el rol protagónico, muy diferente del intelectual Seligman de Nymphomanic. Su personaje es Nils, un hombre tranquilo, asentado en un pequeño pueblo noruego que se dedica a limpiar las calles con enormes camiones removedores de nieve. Un día, una tragedia lo toca de cerca y decide tomar venganza enfrentándose a los mafiosos más peligrosos. Nils no se rinde y llega a las últimas consecuencias con tal de vengar la muerte de su hijo. Como una especia de héroe salido de un western escandinavo, va montado en su camión removedor de nieve en busca de justicia.

El director Hans Petter Molard quiso hacer una historia de venganza, porque siempre le atrajo la idea de devolver el orden a las cosas. Pero en verdad no es así, la violencia se va escalando hasta llegar a consecuencias nefastas.

Bruno Ganz también embellece este film, interpretando a Papa, una suerte de padrino de la mafia serbia. Ambos actores, pese a los orígenes suecos de Skarsgård y suizos de Ganz, dijeron en la conferencia de prensa que pasaron mucho frío en tierras noruegas.

Las mujeres tienen papeles muy cortos, y todas huyen cuando ven que la cosa se pone violenta. Según el director, no es desprecio a la mujer sino todo lo contrario, como son más inteligentes se dan cuenta de cuándo tienen que huir. Los mafiosos en cambio son como niños jugando al bueno y al malo, con armas que son como juguetes.

Lo mejor del film es luego analizar por qué nos reímos de algunas partes que están cargadas de violencia. Molard infiere que es por la influencia del cine americano, en el cual también se matan personas por doquier. Para llamar la atención sobre eso, cada persona que muere en el film tiene un momento de recuerdo mostrando el nombre, año de nacimiento y religión.

Una excelente película, ágil y muy ingeniosa, con el plus de ver juntos a dos titanes del cine europeo como son Stellan Skarsgård y Bruno Ganz.

El tema de los piratas somalíes fue tratado en varios films recientes: Captain Phillips (Paul Greengrass, 2013), A Hijacking (Kapringen, Tobias Lindholm, 2012) y Stolen Seas (Thymaya Payne, 2012), pero el documental Last Hijack, a diferencia de las obras anteriores, nos cuenta la historia vista desde el lado de los piratas.

Luego de años de guerras civiles, Somalía se vio gravemente empobrecida. La piratería se presentó como una forma fácil de conseguir dinero y no tan riesgosa, al menos al principio, cuando tomó por sorpresa a las grandes compañías dueñas de los barcos atacados y la legislación internacional no contemplaba estos casos.

Tommy Pallota (de Estados Unidos) y Femke Wolting (de origen holandés) quedaron cautivados con las imágenes de los pequeños botes de los piratas en contraposición de los barcos gigantes que iban a tomar. Al preguntarse cuáles serían los sentimientos de estos piratas somalíes, nació la idea de este documental. Se filmó enteramente en Somalía, a contraposición de otros films similares que se filmaron en Kenya por temas de seguridad. Sin embargo, los directores nunca pisaron suelo somalí, porque los seguros no podían cubrir el riesgo. Trabajaron con asistentes locales, comunicaciones telefónicas y una gran cantidad de grabaciones enviadas por internet, que luego fueron procesadas para la versión final del film.

El documental se centra en el testimonio real de Mohamed, un hombre que experimentó la piratería exitosamente, pero luego abandonó por presiones de sus seres queridos. Mohamed y su familia se mostraron muy entusiastas con el proyecto, ya que iba a favorecer a quitar el estigma que tiene el país asociado con la piratería, y ayudaría a concientizar a los jóvenes del peligro de este delito.

Los testimonios están magistralmente mezclados con animaciones, que permitieron recrear escenas que hubieran sido imposibles de filmar (por ejemplo, en el medio de la toma de un barco) y para aportarle al documental una connotación personal del protagonista. En todo momento queda claro que las animaciones son la realidad subjetiva de Mohamed, sus sueños, y no algo que realmente sucedió.

Last Hijack es una obra compleja, que muestra un esfuerzo sobrehumano de investigación, producción y edición. El tema es interesante, pero lo que más rescato es su aspecto solidario al querer despertar conciencia en las generaciones de jóvenes somalíes del peligro de la piratería.

Este año, la selección para la competencia internacional del Festival de Berlín contó sólo con tres films alemanes. En dos de ellos los protagonistas son muy jóvenes y se ven asediados por el ambiente que los rodea. Stations of the Cross (Kreuzweg o Via Crucis) es el cuarto largometraje de Dietrich Brüggemann que cuenta la historia de María, una adolescente de catorce años inmersa en un mundo de fanatismo.

La familia de María forma parte de la ficticia asociación de St. Paul, inspirada en la asociación católica ultra conservadora de San Pío X. La protagonista se está preparando para su confirmación y en cada uno de los catorce capítulos del film (intitulados con las estaciones del Via Crucis) sufrimos al ver cómo la dulce María es condenada de la misma forma que Jesucristo.

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Luego de haber visto la excelente Museum Hours (Jem Cohen, Austria/EUA, 2012) en el Festival de Locarno, tuve la suerte de encontrarme con este documental en Berlín. Si bien la primera apunta más sobre la experiencia del público en el inmenso Kunsthistorisches Art Museum de Viena (Museo de Historia del Arte), en el film de Johannes Holzhausen, el corazón es el staff: la gente que trabaja en sectores muy diversos de la institución son los que hacen posible nuestra experiencia como visitadores.

Se muestran aspectos íntimos y no convencionales del museo, como por ejemplo la competencia que existe con otras entidades públicas austríacas para mantener la misma subvención del gobierno, año tras año, en estos tiempos de crisis. El museo debe renovarse constantemente y mantenerse activo para subsistir. Se indaga también en el rol que representa como tesoro nacional, albergando el legado imperial de la república austríaca.

Como es el caso en los grandes museos mundiales, lo que vemos en las muestras es un porcentaje muy pequeño de lo que disponen. Ante los pasillos interminables llenos de objetos, nos cuestionamos el valor de las antigüedades. A pesar de que en estos tiempos modernos podríamos pensar que su apreciación está en decadencia, los curadores del museo nos transmiten su pasión y fascinación por ellas. La tecnología, muy lejos de lograr reemplazar estos objetos milenarios, ayuda en lo que se necesario para mantenerlos en un estado óptimo.

El documental está basado en pequeños momentos, en varios casos de frustración, que se dan por igual en toda la cadena de empleados del museo: desde el director hasta el equipo de limpieza. No hay entrevistas ni voz en off, ni siquiera hay música de fondo, como en los documentales más tradicionales.

Johannes Holzhausen estudió seis años de arte antes de estudiar cine, lo cual ayudó en su interacción con el  personal del museo. En todo momento recibió apoyo de la directora general, Sabine Haag, quien tomó el documental como parte de una campaña para publicitar la institución ante la gente de Viena. La regla establecida al filmar fue mostrar las obras de arte pero siempre asociadas al trabajo de un empleado (por ejemplo un curador), nunca por sí solas. Varias escenas estuvieron también asociadas a la apertura de Kunstkammer en marzo del 2013, una colección de 2200 objetos en veinte salas completamente nuevas.

Un documental original e inteligente, que logra esa misma atmósfera de observación y reflexión que vivimos en los museos y que siempre nos dejan una marca personal.

El quinto largometraje de Kutluğ Ataman es realmente movilizador. A medida que la historia avanza, es desesperante ver como Medine, hija, esposa y madre de dos hijos, lucha desesperadamente contra todos para lograr su objetivo: celebrar la circuncisión de su hijo Mert de cinco años, con una fiesta a la que está invitado todo el pueblo.

Por momentos es difícil entender cómo una mujer se puede obsesionar tanto con una fiesta, pero todas las piezas encajan perfectamente cuando entendemos que esa celebración es un medio para lograr la aceptación de su familia en la sociedad. Medine es defraudada por varios individuos de la comunidad, y en especial por su marido. De una forma brillante, esta joven mujer se alía con las personas menos esperadas y les da una lección a todos. Dentro de todos quiero incluir también a los espectadores, ya que hay minutos en donde nos preguntamos si esta joven mujer está tan desesperada como para haberse convertido en un monstruo.

El multifacético director turco, quien es también un artista plástico nominado en 2004 al premio Turner, realizó un excelente trabajo con el guion de Kuzu. La historia cierra perfectamente al final, y los diálogos, en particular los que mantienen los niños, son de una crueldad, pero también de una realidad abrumadora. Kutlunğ ha querido mostrar el rol de la mujer común en la vida contemporánea de Anatolia (Turquía asiática), quien debe ocuparse de trabajar la tierra, de cuidar de su esposo, de sus niños y de otros integrantes de la familia. Todo esto sin el reconocimiento de la sociedad, que nunca valora un esfuerzo tan grande.

Lugares áridos, donde los niños viven de forma muy diferente a los de la gran ciudad. La interacción y relación con la naturaleza es tan grande que no nos parece descabellada la idea de que Mert se sienta como un cordero sacrificial.

Se sabe que Adolf Hitler era un ferviente aficionado al arte. Un artista frustrado que fue rechazado dos veces de la prestigiosa Escuela de Arte de Viena. Dentro de sus delirios de grandeza, tenía serios proyectos de convertir su ciudad natal de Linz (Austria) en una gran metrópolis que albergara el Fuhrermuseum. Allí se encontrarían las mejores piezas artísticas del mundo: pinturas, esculturas, tapices, etcétera. El número de obras robadas por los nazis alcanzó valores exorbitantes, alrededor de unos cinco millones, y ahí fue cuando entraron en escena los monuments men. Luego de presentar el caso al presidente Franklin Roosevelt, este grupo de directores de museos, artistas, arquitectos, curadores y teóricos del arte formaron una brigada para proteger los monumentos históricos que quedaban, recuperar las piezas arrebatadas y devolverlas a su país de origen.

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Como estuvieron de acuerdo el director y los actores en la conferencia de prensa de Berlín, Yves Saint Laurent es una historia de amor. Da la casualidad que en este caso se trata del amor entre dos hombres, pero el film está muy lejos de querer reivindicar la causa gay.

Sería un despropósito decir que es simplemente una historia de amor, porque está adornada de muchas otras genialidades que la convierten en un film excelente.

El director Jalil Lespert, quien también es conocido por su obra actoral (por ejemplo en el rol principal de Recursos humanos – Ressources humaines, Laurent Cantet, 1999) se documentó muy bien para representar la vida del diseñador de moda. Trabajó en todo momento con el asesoramiento de Pierre Bergé (interpretado en el film por Guillaume Gallienne), socio y compañero de Yves Saint Laurent.

Para el vestuario, Lespert contó con modelos originales diseñados por Saint Laurent, y los dibujos y esquemas son en mayor parte verdaderos. Esto, sumado a incontables entrevistas con personas que vivieron junto al genio de la moda, ayudó a montar una representación de época impecable. Los desfiles son momentos claves en la trama y nos dan una idea muy precisa de cómo fue evolucionando la industria de la moda a través del tiempo. También se pueden comprobar los cambios sociales que se dieron desde fines de los años cincuenta hasta entrados los setenta (período que abarca el film), en cuanto a la liberación, las drogas y la homosexualidad.

Basado en la biografía de Laurence Benaïm, Lespert logra un guion en el cual se puede conocer la personalidad, muy tímida y con tendencias depresivas, de este icono de la moda francesa. Quiso mostrar su relación con las mujeres, basada principalmente en la admiración de la belleza. El resultado es una película bien parisina y fashion, pero también clásica y ligera, para lograr aceptación internacional. Los actores fueron elegidos principalmente por el parecido físico a los verdaderos compañeros de Yves Saint Laurent, y en todo caso sus elecciones han sido acertadas.

El film se presentó en Berlín un mes después de haberlo hecho en Francia. La aceptación en el país de origen fue muy buena, y todo indica que sucederá lo mismo en el resto del mundo.